Borba Teatro.

La Jornada: Compañía de Yucatán montará La razón blindada en Querétaro

2011-11-10T19:22:00.000-06:00

La Jornada: Compañía de Yucatán montará La razón blindada en Querétaro

La razón blindada.Festival de teatro "Urgente",Habana Nov/2011

2011-11-09T17:36:00.001-06:00

La razón blindada de Arístides Vargas por Sebastián Liera

2011-10-22T08:45:00.001-05:00

En el Quijote, nos dicen los que saben, Cervantes creó en la cárcel al personaje literario que sabemos es el abanderado por antonomasia de la justicia y la libertad; para contarnos sus historias, creó a su vez a Cide Hamete Benengeli, le pidió que llevará la voz narrativa y llegaron a nosotras, a nosotros, las aventuras de aquél ingenioso hidalgo que se hacía acompañar por su fiel y ocurrente escudero. Cuatro siglos después, Arístides Vargas tomó prestados a los dos personajes cervantinos y fizo de uno de ellos, Panza, al personaje que juega el rol de voz narrativa para contarnos una historia cuyo delirio debe de ser blindado cada domingo mediante la creación de otro personaje, De la Mancha, para poder resistir el encierro que padece.

Juego de espejos, de teatro dentro del teatro, no sabemos si Panza está en un manicomio y su De la Mancha lo visita cada semana como producto de una patología esquizofrénica o si está preso y crea a De la Mancha para blindar su silencio y sobrevivir a la humillación, la tortura, la soledad… no lo sabemos; pero no importa. Arístides Vargas le da una vuelta de tuerca a la historia cervantina para poner la lupa en uno de los detalles más revolucionarios de la novela del Quijote: el verdadero héroe no es el señor que debido a la locura va por los caminos desfaçiendo entuertos cual caballero andante; sino su humilde siervo, el hombre del pueblo que de tanto acompañarlo terminará convertido y convencido de la importancia de la tarea libertaria de su señor.

La razón blindada es, pues, un canto de libertad. A esa libertad que no hace mucho tiempo tenía junto con la justicia un sitial fundamental en los programas e idearios de las izquierdas, hasta que el pragmatismo político las desechó para adoptar en su lugar la doctrina de pax y orden que caracteriza al discurso y la praxis de las derechas. Esas derechas que se dicen campeonas de una democracia que cierra los ojos ante el saqueo y la miseria que el capitalismo provoca en África, ante las libertades conculcadas por los gobiernos autoritarios en Oriente Próximo y Lejano, ante el desprecio y la intolerancia aparejadas a los neonazismos que vuelven por sus reales en la vieja Europa, ante el intervencionismo estadunidense que en nombre de la “guerra contra el narcotráfico” y la “lucha antiterrorista” en América Latina dicta el son al que deben bailar los gobiernos del hemisferio so pena de embargos, bloqueos y otras medidas “disuasorias”.

No es extraño entonces que Nelson Cepeda haga como Arístides Vargas y tomando a La razón blindada por adarga le dé a su vez otra vuelta de tuerca a la historia cervantina para apuntar con la doble lanza de la palabra y el cuerpo contra la contradicción más criminal del de por sí criminal modelo de producción capitalista: las fronteras nacionales, con su porosidad frente a capitales y mercancías, por un lado, y sus muros de acero y concreto de cara a los seres humanos, por el otro. La prisión como estación última del que emprendió el viaje a Ítaca y cometió el grave delito de buscar sobrevivir a las condiciones de miseria que el capitalismo ha provocado en su país de origen. Honrar no sólo al preso político de las dictaduras del Siglo 20; sino, también, al preso económico de la dictadura global del Siglo 21 y poder ir, con Vargas y Cervantes de la mano, en pos del “triunfo de la aventura humana sobre la mediocridad, la estupidez y el cerco.”

Sebastián Liera.

La razón Blindada

Autor: Arístides Vargas

Dirección Artística- Nelson Cepeda.

Dramaturgia- Salvador Lemis.

REPARTO

Sebastián Liera es De la Mancha

Miguel Ángel Canto es Don Panza

EQUIPO CREATIVO

Diseño de vestuario: Borba Teatro

Diseño sonoro: Gabriel Moreno

Diseño de Iluminación: Gabriel Orozco.

Realización de vestuario: Trinidad Suarez

Utilería Escénica: Jair Zapata

Fotografía: Patricia Martín

Realización escenográfica: Rigel Sauri.

Asesoría técnica de proyecto: Ana Ceballos

Producción y dirección artística: Nelson Carlos Cepeda Borba

La razón blindada en el Festival Internacional de Teatro de la Habana -Cuba 2011

2011-10-21T23:19:00.001-05:00

Tras un esfuerzo conjunto, entre el Instituto de Cultura de Yucatán, Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Mérida , Universidad Autónoma de Yucatán y Borba Teatro, los días 1 y 2 de noviembre de 2011 ,Borba Teatro se presentará en la Habana Cuba en XIV Festival Internacional de Teatro 2011,con la puesta en escena "La razón blindada" de Arístides Vargas

Duermevela del Quijote... Por Raúl H Lugo

2011-08-13T11:55:00.002-05:00

Duermevela es una hermosa palabra. El Diccionario la define así: sueño ligero en que se haya el que está dormitando y también sueño fatigoso y frecuentemente interrumpido. Es una palabra hermosa porque combina sueño y vigilia, como si fuera posible un estado intermedio: no está uno dormido del todo, pero tampoco puede decirse que esté uno despierto. En este sentido, se trata de una palabra de esas que combinan en sí dos estados distintos, como claroscuro o rojinegro.

Esa es justamente la sensación que me embargó al presenciar la puesta en escena de La Razón Blindada, de Arístides Vargas, el argentino avecindado en Ecuador que ha escrito otras muchas obras de teatro. Conocía ya al dramaturgo por la puesta en escena, emotiva y rigurosa, de su obra Nuestra Señora de las Nubes, una deliciosa y poética pieza sobre el exilio, la otredad y sus derivaciones que tan buen sabor de boca dejó en su montaje local.

El pasado 12 de abril, en una entrevista ofrecida al periódico argentino La Nación, el dramaturgo hizo algunos comentarios sobre La Razón Blindada. En dicha entrevista revela que la composición de la obra se debe a un encuentro organizado en España por la Casa de las Américas y por el Festival de Teatro Clásico de Almagro, para el cual se pidió un ejercicio en torno al Quijote y Sancho Panza. Dice el también actor y director, que en el momento de la convocatoria se encontraba visitando la municipalidad de Trelew, Provincia de Chubut, en la República Argentina, reconstruyendo el viaje que su padre tuvo que hacer para poder visitar a su hijo, hermano de Arístides, que estaba preso en la ciudad de Rawson en tiempos de la dictadura militar.

Arístides Vargas tuvo que huir del país en aquellos aciagos años de la dictadura, década de los 70. Fue considerado altamente peligroso cuando, como él mismo señala, “no había hecho otra cosa que obras de teatro”. Su familia fue duramente golpeada y él tuvo que salir del país para radicarse, después de algunos años de recorrer distintos países, en Quito, Ecuador. El recuerdo de su hermano preso y la convocatoria de la Casa de las Américas fueron la afortunada coincidencia que generó la obra La Razón Blindada, en la que dos presos políticos, presionados por circunstancias emocionales y físicas, se reúnen para representar pasajes del Quijote conservados en la memoria, rehechos de acuerdo con sus actuales circunstancias de confinamiento, en una especie de hermenéutica circular apenas interrumpida por las luces que, amenazadoras, cortaban de tajo el lúdico intercambio.

La actuación de Miguel Ángel Canto y Sebastián Liera, moderada por la precisa dirección de Nelson Cepeda, el director uruguayo que tantas cosas buenas ha venido a hacer a nuestro terruño yucateco, es simplemente magnífica. El texto de la obra va y viene en un ejercicio en que la duermevela o el claroscuro se sitúa en el confín de la razón y la cordura. La Razón Blindada es un ejercicio en el que se entrecruzan lucidez y locura, donde el texto del Quijote funciona como catalizador de los sueños y esperanzas de estos dos hombres recluidos, uno ya no sabe si en una prisión o en un manicomio (de cualquier manera, no suele haber mucha diferencia entre ambos).

Una puesta en escena impecable, que ofrece lo mejor que puede ofrecer el teatro: plantear preguntas, dejar al espectador pensando, reflexionando, hurgando entre sus propios sentimientos. Un texto bueno, una actuación y una dirección espléndidas, un espacio íntimo y novedoso que ofrece una singular cercanía del público con los actores… sólo hizo falta, para redondear la noche, el aire acondicionado, que en este mes en que la península se convierte en un comal ardiente, se antoja indispensable para actores y espectadores.

2011-03-09T09:02:00.003-06:00

La razón blindada

Autor: Arístides Vargas

Producción ejecutiva: Borba Teatro

Dramaturgia teratológica: Salvador Lemis

Dirección y puesta en escena: Nelson Cepeda Borba

Fotografía de Christian Rasmussens

Cuando la Razón se Blinda con un Corpus dramatúrgico coherente como es el caso de la última puesta en escena del Director de origen uruguayo y mexicano por adopción Nelson Cepeda Borba, estamos en presencia de una obra de arte de alto vuelo que se concreta en el Hecho Teatral con un espectador cómplice y atento que no se mueve de su sitio y apenas respira hondo hasta el final.

Así acontece con La Razón Blindada, de Arístides Vargas y llevada a escena en el Espacio Fuera de Centro de Itzimná, en la ciudad de Mérida, por Borba Teatro y un equipo creativo eficaz, que cumple con los requerimientos del Director. La Razón Blindada cuenta con el soporte de la Dramaturgia Teratológica de un experto como Salvador Lemis, quien sabe podar los finales, sin que pierdan intensidad las acciones que marcan el tempo narrativo de la obra original y le da sentido al texto y al subtexto de cada diálogo.

La Dupla Director_Dramaturgista, se complementa de manera orgánica y facilita la desbordante imaginación de Cepeda Borba en su magnífica Puesta en Escena de La Razón Blindada. La poética del discurso dramático se traduce en desplazamientos ágiles, relaciones de encuentros y desencuentros signados por el desgarramiento psicológico y la profundidad de las emociones. Los personajes alienados de Panza y De la Mancha, interpretados por Miguel Ángel Canto y Sebastián Liera respectivamente, se destacan por la excelente cadena de acciones, la agilidad casi acrobática de los desplazamientos y la eficacia en la gestualidad que les permite a ambos transmitir con veracidad los procesos internos que viven en la prisión a la que están confinados.

Los que vimos la obra recientemente, asistimos a una especie de Tenis verbal y de acciones físicas donde los actores, a un ritmo vertiginoso, durante una hora y 15 minutos representan a dos alucinados seres que desde la prisión, necesitan reinventarse la historia para apropiarse de un rayo de luz que los haga libres al menos mientras dure la representación teatral. A tal punto llegan a creer en su condición de Sancho y de Don Quijote que se toman la libertad de cambiar su propia realidad como un acto de libertad creadora, que es la única condición posible del hombre ante la injusticia y la ignominia. Este es un recurso válido del Dramaturgo Arístides Vargas para hacer una Denuncia social seria y responsable, y este autor se vale de la intertextualidad, aplicada al Quijote de Cervantes, para brindarnos un texto contemporáneo, fresco y ágil.

Los Personajes de La Razón Blindada pueden existir ahorita mismo en cualquier cárcel del mundo, desde Guantánamo hasta la frontera Norte de México, y los propios Estados Unidos, donde nuestros emigrantes latinos son carne de presidio. Por eso la dramaturgia de los actores y del Director, junto con Lemis, abordan el texto original como propio y lo hacen suyo, lo recrean también en una suerte de malabarismo semántico porque entienden perfectamente que el teatro nos sirve, entre otras cosas importantes, para intentar mejorar el Mundo, cambiar la realidad y vivir las vidas de los otros en una representación inacabable. ELIOT, en sus "Cuatro cuartetos" nos dice: "el hombre no es capaz de soportar el exceso de realidad y por eso se inventa la ficción"... y esa es una constante de la Humanidad en todos los tiempos desde mucho antes de la famosa parábola de la cueva de Platón, donde algunos prefieren vivir encadenados viendo las sombras de "su realidad" y otros, se deciden a "buscar la luz en otra realidad", que es lo mismo que tratar de alcanzar la libertad desde nuestro interior, volando en la imaginación ficcional. Eso intentan hacer De la Mancha y Panza en la Razón Blindada de Arístides Vargas, con la Producción artística Independiente de la Compañía, Borba Teatro.

De las actuaciones:

De la Mancha: Sebastián Liera; este actor maneja muy bien la gestualidad y sus recursos vocales, tiene un amplio registro y construye su personaje desde su interior para hacerlo vivencial. Es creíble la entrega y seguridad que demuestra con su Caballero Hidalgo manchego.

Panza: Miguel Ángel Canto; asume su personaje con la capacidad de transmitir y desdoblarse en varios personajes a la vez, de manera eficaz, en un proceso de ricos matices internos de un alto grado de dificultad, del que sale airoso.

El Diseño espacial y de escenografía que nos propone el Director Nelson Cepeda, se complementa con la realización escenográfica, de Rigel Sauri, propiciando un marco escénico minimalista, con la disposición de elementos de utilería y vestuario que hacen posible la contradicción fundamental que plantea la obra: realidad soñada_ realidad palpable. La inteligente asunción del Diseño espacial y escénico, facilita la lectura que hace el espectador del texto dramático, estableciendo un diálogo de imágenes contrapuestas acentuado por un adecuado Diseño de iluminación de Gabriel Orozco poniendo de relieve los contrastes y las contradicciones del juego teatral. La Banda sonora de Gabriel Moreno Roche, acorde con la conceptualización de la Puesta en escena, nos introduce en un tejido de sonorización y atmósferas auditivas que complementan el discurso escénico.

Es significativo que en sus últimas puestas en escena, el director uruguayo-mexicano radicado en Mérida, Nelson Cepeda Borba, asume un Teatro de Vanguardia que lo identifica no sólo con la Dramaturgia del actor y del Director, sino con la Dramaturgia de la Imagen y la Sonorización, para completar una Trilogía muy importante para la escena del Sureste de México, que empieza con "Los Ojos abiertos de ella", de la autora uruguaya, Raquel Diana, continúa con "Nuestra Señora de las Nubes" y termina este ciclo con "La Razón Blindada", ambas del famoso director y dramaturgo argentino, Arístides Vargas, y que tiene su antecedente más cercano hace unos años, con su primera experimentación en esa corriente vanguardista, de "El desayuno durante la noche", de Ricardo Prieto, en un espacio escénico no convencional como la Residencia Chateau Margaux, de la Ciudad de Mérida.

Este joven Director, no sólo ha madurado intelectualmente, sino que posee un ojo mágico para seleccionar su repertorio que asume con una adecuada selección de actores y actrices como la inolvidable Elena Larrea, quien fue parte importante en su crecimiento como creador y ser humano, las excelentes y jóvenes actrices, Ariadna Medina y Alejandra Argoytia, y los actores Alejandro Subirats, Miguel Flota, Miguel Ángel Canto y Sebastián Liera, junto a un equipo Creativo de primer nivel.

Borba Teatro, bajo la Dirección y producción del maestro, Nelson Cepeda, está constantemente actualizándose con la confrontación del numeroso y selecto público que asiste a sus obras. Participa con su poética teatral en Festivales Internacionales tan importantes como el de La Habana, el de Guadalajara, Festival de la Frontera en Mexicali, o en las Jornadas teatrales del Distrito Federal. Ahorita tiene dos Invitaciones para participar tanto en el Festival ArtsPoken Latin Center de USA, con "La Razón Blindada", en el mes de junio, así como una Invitación especial para asistir nuevamente representando a México en el XXX Festival Internacional de Teatro de La Habana a realizarse en el mes de Octubre de 2011.

Todo parece indicarnos que, Borba Teatro ha levantado el vuelo y es un trailler cargado de sueños posibles que hace de su teatro , un riguroso oficio y un acto de fe en sus propuestas ideo estéticas, pues como me comenta su Director, Nelson Cepeda Borba al asumir sus montajes: "Una o dos escenas, deben tener un impacto visual que sea inolvidable para el espectador"; y yo le doy la razón, pero añadiría que: Una frase inteligente en la escena puede olvidarse, porque las palabras nos traicionan, pero una escena hermosa y bien construida queda para siempre en nuestro inconsciente. Como sucede con: "Los ojos abiertos de Ella", "Nuestra Señora de las Nubes", o....." La Razón Blindada".

Pedro Juan De La Portilla

Mérida, Yucatán, México

Marzo/07 de 2011

2011-02-18T12:13:00.000-06:00

Borba Teatro- Presenta

2011-01-12T19:40:00.010-06:00

La razón blindada.

Una obra de Arístides Vargas.

12 y 26 de febrero.

11, 12, 18, 19,25 y 26 de marzo.

Fuera de Centro. Frente a la federal Nº 1 en la col. Itzimná.

Reservaciones de 16 a 20 Hs -9272098

Nuestras Señora de las nubes en Mérida- Yucatán.

2010-10-10T16:00:00.000-05:00

TEATRO: A VECES HAY QUE MIRAR LO QUE SE HACE AFUERA.

Salvador Lemis (CINEY)

Con el estreno de Teatro “Borba” bajo la conducción de Nelson Cepeda llega la obra “Nuestra Señora de las Nubes”, del autor Arístides Vargas (argentino, actual director de “Malayerba” en Ecuador). Con la interpretación de Alejandra Argoytia y Miguel Ángel Canto, quienes a través de un universo lúdico, van reconstruyendo ante nuestros ojos la historia cierta-incierta de dos y más personajes (18) que “narran” su relación con una fábula inventada para sobrevivir desde un “país imaginario” y para conformar al “Otro” desde sí.

Hay ecos de Macondo y Comala en el pueblo de Nuestra Señora. El realismo mágico, lo real maravilloso latinoamericano, el no realismo, la posmodernidad, el trabajo de la imago, la poesía en acción, van contribuyendo a que se logre el hechizo donde cada quien hace múltiples lecturas de un texto riquísimo en analogías sobre la realidad de cualquiera de nuestros atormentados países.

Nelson Cepeda (Uruguay) recién acaba de participar con “Los ojos abiertos de ella”, de Raquel Diana, en el 13 Festival Internacional de Teatro de La Habana. Entrevistado para el programa ciber-radial “Presencia Escénica: ESAY” para Radio Educación, comentaba vivamente que el contacto que tuvo con varios directores de moda del mundo entero y ver diversos espectáculos extraordinarios, le había “cambiado el rumbo” y le había sacudido del musgo provincial que impera cuando todos creen que lo están haciendo bien y sin embargo, pueden repetir esquemas con atraso desde esquemas de los años 40’s, 50’s y 80’s del pasado siglo. No hay sitio más factible para formar un pantano que el medio artístico, cuando no se quiere dialogar con extramuros en propuestas artísticas teatrales renovadoras. Próximamente se realizará aquí, con la coordinación de Raquel Araújo, un evento de Iberoescena que integrará voces que llegan de otras culturas allende el mar y que significará un oasis de contribución a lo creativo del patio.

Rezan las notas al Programa que se trata de “un grito de libertad, una invitación a no olvidar, a tener conciencia hasta de cuándo y por qué debemos callar o gritar.” Y de todo eso y de mucho más trata, porque es un modo de lanzar saetas tras una avalancha de reflexiones que nos obligan a relacionar recuerdos y vivencias, maltratos e ilusiones, anhelos y fracasos cotidianos. La obra es cien por ciento recomendable y gustará a públicos diversos, porque tiene todos los ingredientes para llegar al alma y para desnudar conciencias y replantear marginaciones.

Han sido artistas invitados María San Felipe y Gabriel Moreno Roche, quienes aportan su exquisitez desde las sonoridades. También Roberto Ortega, Ekmanuel, Gabriel Orozco y Miguel Villazuzo complementan con su talento el acto. Todo en el espacio alternativo de “Tíovivo”.

La dramaturga Elena Novelo –muy precisa- reflexiona: “¿De qué otra manera sino a través del arte se puede sublimar la catástrofe del exilio? La obra es una poética de inconformidad contra un Estado que absorbe la expresión de un anhelo de libertad, para alzar la voz ante la vida tiranizada de un país imaginario, que se apaga y se paga con el destierro. Nos muestra también que el exilio y la discriminación tienen diversas formas, aún en casa y propiciadas por nuestra misma gente.” Dice Argoytia como Bruna: “A menudo he visto a los hombres tratar las bestias como les tratan a ellos otros hombres; si algún día las cosas cambian, los hombres y las bestias comerán de la misma mesa.”

Alejandra Argoytia está extraordinaria, como cuando interpretó a Grace Frick y triunfó en el Festival Internacional de Teatro de Los Ángeles, USA. Resalta una gran actriz que no anda extraviada en sus difíciles papeles de Bruna, Irma, la esposa del Gobernador, Ángela, Soledad, Alicia y la inolvidable Abuela Josefa. Precisión, muestras palpables de ser una intérprete estudiosa a nivel de sub-unidades de significado y guiños inteligentes, entrenada, actualizada, afinada en sus textos, creíble, acertada en los tonos, consecuente con los rasgos pertinentes de cada rol, magnífica transformista en este juego surreal. Miguel Ángel Canto tiene la frescura con que acomete el acto escénico, simpatía, gozo, interacción con su contraparte, flexible y preciso también. Debe atender varios tonos y que logre afinar más su destreza corporal con la pertinencia de su diálogo. No reiterar. Pero ambos se complementan perfectamente y alcanzan momentos sublimes desde este difícil arte del teatro-arena.

La dirección de Nelson Cepeda ya ha hallado cauces precisos, complejos y disfrutables. Ha logrado conformar una secreta polifonía de significaciones que dan unidad y coherencia al concepto de puesta en escena. Ya muestra una voz mayor, más aplicada en el terreno de cuestionarse cómo quiere contar -en “imagen contemporánea”- lo que siempre ha tenido claro desde el silencio intelectual e inquietudes personales. Ojalá revise la estructura general de la puesta para que no se exceda con tantos falsos finales que retrasan el cierre y agotan al espectador. La Belleza, si se desborda del cauce metafísico que se esfuerza por contenerla, pierde su esencia. Es mejor transar con el crítico interior y podar el jardín de ideas y plasmaciones. Ya el navegante Borba ha hallado su brújula en el océano inquietante de las precisiones y los desaciertos que pululan en nuestra escena actual. Que no la pierda y que busque también un ovillo de lana para seguir por el laberinto de Nuestra Señora de Mérida./

Nelson cepeda y Borba Teatro

2010-09-25T09:18:00.001-05:00

Hablar de Borba Teatro, es referirse al Maestro Nelson Carlos Cepeda Borba, director de teatro contemporáneo, oriundo de Montevideo, Uruguay, de cuarenta años de edad, quien tras su llegada a la ciudad de Mérida, Yucatán en el año 1999 ha realizado una labor relevante de investigación teatral que va desde la impartición de talleres de teatro hasta la producción y dirección de diversos montajes escénicos.

El trabajo de Nelson Cepeda, se caracteriza por el compromiso, la lealtad y honestidad que le imprime a cada uno de sus proyectos, valores que para él pueden integran una sola palabra: amor, por supuesto por el teatro. Su trayectoria se destaca por la calidad, imaginación, belleza, minimalismo de sus obras y su interés por honrar la dignidad y la libertad humana y creativa.

Tras una década de formación y trayectoria en Yucatán, decide fundar en el 2009 Borba Teatro, como una forma de mantener vivo el recuerdo de su natal Uruguay y a su vez rendirle un cariñoso homenaje a México por ser la sala de gala en la cual inició su carrera artística.

Integrado por diversos creadores escénicos multidisciplinarios comprometidos con la expresión artística, Borba Teatro contribuye a la difusión de la cultura y el arte que se produce en el estado, mediante la creación y presentación de espectáculos escénicos contemporáneos cargados de emociones y experiencias que conforman la vida del creador Nelson Cepeda, quien a través de los textos que llegan a sus manos busca trasmitir mensajes de vida a todos los que estamos involucrados en ella.

Siendo un creador de mundos mágicos, amante de la belleza escénica y con una gran atracción por el siglo XIX, Nelson introduce al espectador a través de sus obras en un mundo de fantasía, diferente a la cotidianeidad que vivimos y que muchas veces es parecida a la realidad, únicamente con la intención de provocarle emociones que le lleven a disfrutar y valorar la vida desde otra perspectiva.

Resaltando la experiencia en dirección escénica que lo conforma, antes y después de la creación de Borba Teatro, el Mtro. Cepeda ha trabajo con actores y actrices de la talla de Alejandro Subirats, Elena Larrea, Ariadna Medina, Egle Mendiburu, Álvaro Carcaño, Tanicho, Jorge Chablé, y llevado a escena guiones de destacados dramaturgos como lo son Ricardo Prieto, Raquel Diana, Daniel Irabien Peniche, Arístides Vargas, entre otros.

Borba Teatro cuenta con sus instalaciones en la ciudad de Mérida y actualmente se encuentra promocionando la puesta en escena “Nuestra señora de las nubes” de Arístides Vargas y en proceso de creación de una nueva puesta en escena que pretende ser presentada en diversos foros de la ciudad y del territorio nacional.

Nuestra Señora de las nubes 2010 Mérida Yucatán 2

2010-06-30T21:34:00.002-05:00

Nuestra Señora de las nubes 2010 Mérida Yucatán 2

2010-06-30T21:32:00.001-05:00

Nustra Señora de las nubes...el círculo del exilio.

2010-06-16T18:57:00.002-05:00

Soy de nuestra Señora de las nubes.
Por María José Pasos

El destierro es redondo:
Un círculo, un anillo
Le dan vuelta a tus pies (…)

Hay que pensar un poco en esta imagen. En el círculo del exilio que conduce inevitablemente a la mala memoria: una oportunidad de volver a escribir, de contar con los brazos, con los ojos y la “cara que parece que hemos visto en algún lado, en otro tiempo”. Esto es la poética del olvido, una brillante capacidad de ser nosotros mismos, acá lejos, donde sólo contamos con lo que le contamos al otro. Reconstruimos, a través de retazos, residuos, pedazos de la historia que también a nosotros nos contaron, y que alguna vez nos hizo pertenecer a un país, a un lugar de origen.

Pero pertenecer a un lugar es también pertenecerle a otro, estar atado a una lengua, estar amarrado a lazos familiares que también, a su tierna manera, nos lastiman.

El destierro es redondo. Y esta imagen ya rondaba en Arístides Vargas al momento de concebir Nuestra Señora de las Nubes .

Basta con traer a la memoria las constantes repeticiones con las que vuelve al mismo nudo del círculo que se ata entre cada uno de los personajes que presenta. La repetición, en el texto, y, particularmente, en el montaje de Nelson Cepeda que este fin de semana concluye funciones de su primera temporada en el Tiovivo, me trajo inmediatamente a la memoria este epígrafe, con el que abro la evocación (pues no se trata más que de eso) de la representación de esta obra.

De repente pienso. ¿Cuántos destierros vivimos ahora? Arístides, el dramaturgo del exilio, construye su poética a través de pequeñas muertes-destierros. Por eso constantemente observamos en sus obras cómo dos personajes se transmutan en cientos, llegando a morir en el escenario conforme nos presentan los restos de una tribu, un pueblo o un país.

Con esto parece decirnos que el exilio no es sólo el abandono forzado de un territorio, sino un juego de la memoria que, de hecho, tanto tu como yo tenemos varias veces, en un mismo día.

Nuestra señora de las nubes presenta al espectador distintas imágenes del exilio, desde la poderosa presencia de dos personajes que se re-encuentran a cada momento y se reconocen como habitantes y desterrados de un mismo país imaginario: Nuestra Señora de las Nubes. Y es esto mismo: ser de Nuestra Señora de las Nubes lo que marca la convivencia de estos dos hablantes. ¿De qué puede tratarse ser de un país que ya no te cuenta entre los suyos? Y ese no querer contarte entre nosotros no se resume a un abandono físico del lugar de origen. Hay tantas maneras de exiliarse dentro de un país, que a diario nos topamos en la calle con fantasmas que no se cuentan entre nosotros. Los exiliados de su lengua, a quien obligamos día con día a comunicarse en español; los exiliados de nuestra implacable razón que hemos designado insanos, las exiliadas y exiliados de pensamiento, de ese pensamiento totalizador que los induce al silencio.

¿De qué puede tratarse, para ellos, para nosotros, ser de este país que nos excluye?

Hallas hermanos; pero no es tu sangre:

Eres como un fantasma avergonzado

De no amar más a los que tanto te aman.

Son muchas las preguntas que este montaje deja abiertas, y que va sacando de dos baúles convertidas en anteojos, sombreros, corbatas, camisas, bolsas, mientras nos presenta a sus personajes, habitantes todos de ese mismo y diverso país: Nuestra señora de las nubes. Esto es lo más valioso, a mi juicio, del montaje de Cepeda. Las preguntas que deja que Arístides nos haga, al oído o a quemarropa. Las preguntas que el director deja, generosamente, que los actores se formulen a través de su cuerpo. Esta encarnación que es el teatro. Esta re-territorialización que nos brinda. El obsequiarnos como respuesta que el escenario: nuestras propias trincheras de lucha cotidiana, son, al fin y al cabo, nuestro verdadero país de origen.

Podría decir muchas cosas de este montaje: los símbolos que circularmente se presentan, y van saliendo de un baúl para, al final, entrar en otro: un pequeño cofre compartido. Una nueva memoria colectiva, hecha de residuos y escrita por voces que no por fallecidas dejan de hablarnos. Sólo quiero hacer hincapié en el trabajo de Alejandra Argoytia y Miguel Ángel Canto. Dado que esta obra se construye gracias a los actores, y sobre todo, porque este par de actores supieron ganarse minuto a minuto su propio territorio. La piel se eriza cuando Alejandra Argoytia se transforma en una abuela con voz de destino, con el rostro iluminado mientras le susurra a Memé que sólo a través de la libertad es como podemos caminar por este y por cualquier país del mundo.

Y, por su parte, Miguel Ángel Canto sabe corresponderle con la alegría ingenua del nieto que sabe que la abuela no está muerta.

Me parece, sobre todo, que en este momento, en este año, a estas alturas de la vida, escoger ese texto y elegir este teatro es necesario. Un proyecto como Nuestra señora de las nubes hace cada vez más falta porque hay cosas que son necesarias decir. Y yo siempre me pregunto ¿por qué se escogen esos textos y no otros, para un montaje? Cuando hay tantos discursos necesarios, elegir decir algo y tener la capacidad de ser escuchados es un compromiso contra el silencio.

No sé si logro explicarme.

De cualquier forma pienso en Arístides, que se exilia en su propia escritura. La suya no es una poética del territorio, sino de la evocación, y es algo tan frágil que se escapa de las manos. Ese es el riesgo de montarlo. Traerlo a la tierra sin destrozarle las alas. Darle un cuerpo a lo que nos susurra.

Quiero decir que el valor de este montaje es crear en algunos momentos, muy frágiles y fugaces, esa atmósfera que devuelve la esperanza a este grupo de exiliados.

(Todos los versos de Pablo Neruda).Fotografía de felipeMazzoo

Nuestra Señora de las nubes.

2010-06-16T18:31:00.001-05:00

Sobre las artes escénicas

Ivi May Dzib

Que por qué nos exiliamos o nos exilian no es la pregunta que nos llevará a la respuesta; el exilio te lo recuerdan los días, el tiempo, las noticias, las arbitrariedades; porque uno puede estar exiliado en su propio país, en su propia ciudad, en su propio municipio, en su propio entorno.
El pasado jueves 13 de mayo tuve la oportunidad de ver, al fin, “Nuestra señora de las nubes”, de Arístides Vargas, dirigida por Nelson Cepeda Borba. La cita fue en el teatro Felipe Carrillo Puerto de la UADY, donde se encerró un mundo tan pequeño y por lo mismo tan humano y universal.La grandeza del texto de Arístides (su segundo ejercicio sobre el exilio, como lo subtituló en 2008 en el Fondo Editorial Casa de las Américas), donde la poesía de la inconformidad, la belleza con la que se habla de la muerte y la nostalgia con la que se recuerda para no olvidar (aunque se haga inevitable), se aliaron con un gran trabajo actoral de Alejandra Argoytia y Miguel Ángel Canto.
La historia se desarrolla en un país que no es el de nuestros protagonistas (o tal vez sí, hay diferentes tipos de exilio) donde recuerdan su país de origen, un país ficticio que puede ser toda Latinoamérica: Nuestra señora de las nubes”. A lo largo de casi dos horas Oscar y Bruna hablan desde la fundación del pueblo, sus gobernantes, sus historias de amor y cómo la guerra y la dictadura terminó por exiliar al pueblo.
Arístides crea un pueblo-país tan místico como el de algunos novelistas latinoamericanos, utiliza las imágenes, las metáforas, los símiles y las alegorías para hundirnos en un marasmo de tristeza que se fortalece con la irónica visión que podemos hacer nosotros mismos, ahora, de nuestro propio país.El trabajo de Alejandra Argoytia fue impecable, logrando transitar de un personaje a otro, lo que hizo que el público fijara su atención cada vez que habitaba otro cuerpo dentro del propio. Miguel Ángel Canto confirma su nivel actoral que lo caracteriza ya como uno de los más sólidos profesionales del Estado.“Oscar: Yo creo que hay dos clases de exilios: el exilio vacacional con vista al mar, reservado para gerentes, ministros y ex presidentes, y el exilio de los que no tienen relojes, o sea, nosotros. También creo que hay dos tipos de dignidad: la dignidad de los dignos y la dignidad de los que no somos dignos, porque no tenemos relojes, o sea, nosotros”.Nelson Cepeda logró potenciar los ambientes, dar la pausa para las transiciones. Para los 18 personajes que plantea el texto “Nuestra señora de las nubes” y los diferentes lugares y situaciones en los que se enmarcan, Cepeda Borba se valió nada más de dos actores, un baúl, una variedad de diversos pero significativos objetos y otras dos cajas de madera. El texto, el actor, la luz y la música creando un todo: nostálgico, duro, pero con la risa que habitan los sueños.“Bruna: Para mí el exilio es un problema de abrazos… Verá, cuando era niña abrazaba a mi perro, entonces mis padres se enfadaban y me exiliaban en mi cuarto; en mi adolescencia abracé a un chico y él me exilió a la soledad; luego, de grande, abracé ideas y me exiliaron en este país, sin contar a veces que fui castigada cuando intenté abrazar la religión; ahora, por las dudas, no abrazo a nadie”.Arístides Vargas nació en Córdoba, Argentina, y vive desde muy niño en Mendoza. Trabajó en algunos grupos locales y estudió teatro en la Universidad de Cuyo. No finalizó sus estudios ya que en 1975 tuvo que exiliarse debido a uno de los golpes militares más sangrientos de la historia de Argentina.Después de un breve periplo por Sudamérica se establece en Quito en 1978. Participó como actor en distintas obras de teatro y ha dirigido importantes grupos y compañías de teatro latinoamericano, actualmente es director del grupo “Malayerba” de Ecuador.Entre sus obras podemos mencionar “Jardín de pulpos”, “Pluma”, “La edad de la ciruela”, “Donde el viento hace buñuelos”,“El deseo más canalla” y “La muchacha de los libros usados”.Nelson Cepeda es uruguayo-mexicano, radica en Yucatán, es director teatral y pedagogo; creo que sin exagerar, estamos ante su mejor trabajo como director. Esté pendiente de la cartelera ya que tanto la dramaturgia como el montaje valen mucho la pena.

Sorprende “Nuestra Señora de las Nubes”

2010-04-26T15:57:00.000-05:00

(20/04/2010 01:46:00 Noticias de Cancun)

Noticias de Cancun. - Los actores “atraparon” al público asistente.

Noticias de Cozumel

Noticias de Cancun. - “Nuestra Señora de las Nubes” es la puesta en escena que se presentó en el auditorio “Lic. Pedro Joaquín Coldwell” del Museo de la Isla, el sábado 17 pasado a partir de las 20:00 horas. Dirigida por Nelson Cepeda Borba e interpretada por Alejandra Argoytia y Miguel Ángel Canto.

El público asistente fue invitado por la Fundación de Parques y Museos de Cozumel, Quintana Roo (FPMCQROO), en el marco de los festejos de su vigésimo tercer aniversario.

La obra del argentino – exiliado en Ecuador – Arístides Vargas, presentó distintas imágenes del exilio, desde el encuentro de dos personajes que se reencuentran a cada momento (“su cara se me hace conocida, la he visto en algún lado, en otro tiempo”) y se identifican como habitantes desterrados de un mismo país imaginario.

En su momento, el autor dijo que el título viene de una ocasión en que, recorriendo la parte andina del Ecuador, llegó a un pueblo abandonado; todos los habitantes habían emigrado. El pueblo se llamaba “Nuestra Señora de las Nubes” y pensó que cuando hiciera una obra e intentara reconstruir la memoria de un pueblo, se llamaría así.

En esta puesta en escena, el director Nelson Cepeda intenta traspolar su propia experiencia, de lo vivido como uruguayo radicado en Yucatán y las tantas maneras de exiliarse que, a diario, percibe en la calle: los exiliados de lengua, de apellido, de raza, de religión, de su situación socioeconómica, de las personas que tienen un despertar de conciencia y que por lo mismo, se autoexilian, al no pensar más como los demás.

Además, destacó que esta obra “es el resultado de una búsqueda de poder expresarse políticamente, a través de otras palabras”. La elección del guión, se dio por Raquel Diana, (dramaturga y actriz de “Los Ojos Abiertos de Ella”, anterior puesta en escena de Nelson Cepeda) y Vivian Martínez Tabares (crítica e investigadora teatral, editora y profesora), quienes le proponen al director uruguayo montarla con una perspectiva más actualizada.

Basados por los casi poéticos textos de Vargas que manejan el olvido, los personajes pueden ser ellos mismos; sólo son lo que le cuentan al otro, lo que recuerdan. Pero dejan entrever que pertenecer a un lugar es también pertenecerle a otro. “Las patrias, son las patrias afectivas. Allí donde tengas tus afectos, será tu patria”, ha señalado Arístides Vargas en su momento.

Mientras van sacando de dos baúles anteojos, sombreros, corbatas, bolsas…, los actores Alejandra Argoytia y Miguel Canto presentan a sus personajes; habitantes, todos de ese mismo lugar. Con expresiones faciales, con su cuerpo, los actores plantean situaciones y cuestionamientos. Al final, todos los elementos sacados de los baúles, entran a un pequeño cofre. Una nueva memoria compartida, hecha de las historias contadas entre esas personas, cuyas caras les parecen conocidas.

Silencio en la casa de nubes

2010-04-14T19:24:00.000-05:00

¿De qué otra manera sino a través del arte se puede sublimar la catástrofe del exilio? La obra Nuestra Señora de las Nubes del dramaturgo argentino Arístides Vargas es una poética de inconformidad contra un Estado que absorbe, la expresión de un anhelo de libertad para alzar la voz ante la vida tiranizada de un país imaginario, que se apaga y se paga con el destierro. Nos muestra también que el exilio y la discriminación tienen diversas formas, aun en casa y propiciadas por nuestra misma gente.

Al entrar en el espacio teatral nos topamos con la magia que generalmente se da a puerta cerrada: los actores trabajan su circunstancia frente a nuestros ojos. En la intimidad del incienso, de un solo respiro y de una rápida ojeada el público comienza a ser penetrado por el ambiente. La intención es que el aroma de ritual vuele hacia todas partes y nos invite a no olvidar el humo del sacrificio, esa vetustez más actual que nunca.

La ausencia de escenografía ampara la creación de atmósferas visuales; el vestuario intemporal, con ligeros tintes folklóricos (diseño y realización de Ekmanuel), nos ubica en Latinoamérica. La obra inicia con un canto joven en la voz de María San Felipe, acompañada en vivo por la guitarra del diseñador sonoro Gabriel Moreno, abriendo el cielo para redrojear entre nimbos el rincón, el papel o el cajón donde permanecen suspendidos los recuerdos de una exiliada maravillosa.

Un penachito plumario decora el cabello de Bruna (Alejandra Argoytia), la que llora cuando nadie la ve, la que mira los pájaros, busca las palabras en nuestros espejos y se acaricia con una plumilla blanca mientras Óscar, el otro exiliado (Miguel Ángel Canto) escribe. Están descalzos, y aunque les han llovido las mismas nubes, no se conocían. Los extranjeros, dice él, son gente triste porque extrañan su país, su madre. Deben callar, dice ella, porque los que no poseen casa lo único que tienen es el silencio… Tal vez orinen rosas o arcoiris mientras duermen en el aire del país que los hirió; quizás necesiten de otro para sostenerse o lastimarse, como la otra pluma roja que ella coloca en el pecho de su canesú.

Entonces, con el corazón reinventan su pueblo, tan lejano e impalpable, colgado en los altostratos de sus historias; hasta ahí vuelan los conjuros que van dando vida a algunos habitantes, sacados con delicadeza desde el fondo de una música recordada que irá marcando las temporalidades y las transiciones a varios tonos y estilos teatrales.

Un paliacate, una cuerda y jirones arrugados de un velo de novia, son los objetos que los transforman en un padre que amarra y maneja a su hija bárbaramente, con la urgencia de que ella misma se le ofrezca a los hombres para quitarle ya ese aliento a flores secas, y en una casi niña-animal o una ciruelita con la soledad en las manos vírgenes, sin sortija, una montaña oscura con cima de nieves que aún no desea que se le derritan en sus senos, pálida de oscuridad y de frío, una “tontolona solollanto” que le propone incesto a su brutal patriarca (las mujeres siempre tienen la culpa ahí).

Así se funda Nuestra Señora de las Nubes, con la misma sangre que se va amazacotando con otros clanes y diversas razas, dando vida a todos familiares, parientes torpes de la avaricia, la soledad y la discriminación, que comparten nubosidades, copas y risas mientras se pelean la batuta.

Una anciana es quien resguarda esa memoria que huele a jungla genealógica, quien se ríe junto con su nieto cretino del pueblo dudoso, condenado a la complicidad entre el poder llevado a ultranza y la sigilosa lengua de la comunidad sometida. Bruna piensa que el exilio también es un problema de abrazos, ella abrazó lo imperdonable: las ideas, por eso la expulsaron, pero le salieron alas; le gusta cuando son las alas las que abrazan. A Óscar lo mataron el silencio y el olvido de los vecinos, esos que viven en el mismo callando pero no haciendo la misma patria.

Un humor ácido merodea las reflexiones de ambos, que rezuman dolor y ternura; viven seducciones y desesperanza, existen deseo y promesa en esas almas, hilachas de aquel velo de novia con las que bordan el génesis y el éxodo de su país ¿inventado?

No sé cómo cataloga este montaje la crítica especializada. Yo pienso que es una puesta en escena impecable de Nelson Cepeda, un acontecimiento de verdaderos oficios teatrales, con una actriz magnífica en todas sus encarnaduras y demoledoras corporalidades bajo la luz cenital, y un actor que deja resonando sus personajes más allá de sus nombres.

Asistir a esa experiencia es ligarse a la realidad comunicada en otro nivel, quitarle el cerrojo al milenario cofre de la hondura teatral, y dejar salir un delirio poético que al final amortaja a los personajes en un semicírculo de objetos-símbolos evocativos. Al renacer una vez más, encierran sus recuerdos en el mismo cofre para seguir cargando su caminata por la oscuridad, de frente a la moneda girando en el aire de una canción, hacia un destino conmovedor aferrado a los cirrus… Que no se quiebren pronto las brillantes esferas de sus palabras. Que sigan contando, para ser contados. Que no haya cúmulos de silencio.

Nuestra Señora de las nubes.

2010-02-02T17:41:00.001-06:00

Nelson Cepeda Teatro.: Nuestra señora de las nubes.

Los ojos abiertos en la Habana

2009-11-29T08:10:00.001-06:00

2009-07-02T16:31:00.000-05:00

“LAS PRECIOSAS RIDÍCULAS”

La primera obra maestra –encantadora e inmortal- de Molière fue Les précieuses ridicules, estrenada en París en 1659. Por lo tanto, está cumpliendo apenas trescientos cincuenta encantadores años de vida. Hace trescientos cincuenta años Luis XIV, rey de Francia, ya había acuñado su lema L’etat c’est moi, “el Estado soy yo”. El absolutismo, el mercantilismo, la exaltación religiosa, las ciencias y el racionalismo (mal asimilado) estaban en su apogeo. Desde Versalles la cultura cortesana francesa irradió a toda Europa; se consideraba “francés” la elegancia, la sutileza, el refinamiento, el savoir-faire, pues. Esa cortesana cultura se convirtió en la liturgia de la nueva religión del Estado, extendiéndose la alegría profana y la teatralidad. Fue una época que se escenificó a sí misma con sus jubones y chalecos, cuellos chorreados de fino encaje, miriñaques bajo las faldas, acaireladas pelucas, rostros empolvados con boquitas de corazón, mejillas sonrosadísimas, lunares… Luis XIV le dio a su sistema de gobierno un estilo, una dramaturgia, un escenario. Y encontró en el arte Barroco la forma ideal de manifestarse, por sus efectismos y brillante superficialidad, mientras había disturbios civiles sangrientos y los campesinos se morían de hambre y de frío. Cuando el alegórico Luis XIV tenía quince años, apareció en escena como roi soleil (Rey Sol) en un Ballet. Más tarde nació la comedia-ballet con Molière y Lully, en la que constantemente participaba. La música, siempre presente: mientras el rey cenaba a las diez de la noche “al gran cubierto” (en público), se escuchaban las Sinfonías para la Cena del Rey, que Delalande había compuestocomo parte del ritual. Luisito adaptaba en Versalles, su residencia de campo, efímeros teatros al aire libre. El más espectacular fue el de dos mil asientos y un escenario de doce metros iluminado por trescientas luces colocadas en arañas de cristal. El otro, llamado Teatro del Agua, era una plaza redonda con gradas de césped junto a un estanque. Ópera, conciertos, danza, espectáculos circenses y teatro. Mucho teatro. El consentido: Jean Baptiste Poquelin, llamado Molière, actor, director y escritor de sátiras. Molière y su compañía al fin van a actuar ante el aún joven rey. La obra escogida ha sido la tragedia Nicomedes de Corneille. ¿Por qué elige esa obra? Porque en ella se hace una defensa de la monarquía absoluta. Lo que podría agradarle al soberano. Pero Molière no tiene ángel apolíneo para la tragedia: su estatura no es majestuosa, su voz se corta con hipos (señales de poco aliento) que evitan la emisión ininterrumpida de las grandes tiradas de los versos trágicos; sus facciones son gruesas, sin distinción, no le van los papeles de príncipe. La representación sólo levanta aplausos corteses. Entonces Molière pide permiso a la noble audiencia para agregar un paso de comedia como pilón, unas “escenas de risa” que le han dado reputación en provincia. El rey accede. Y espera, porque nada está listo. Y sigue esperando la aparición de los comediantes que están escondidos y susurrando asustados porque no se acuerdan del libreto. Molière les pide a sus artistas lo que hacen las compañías de la Commedia dell’Arte italiana (raíces de la Comedia Francesa y por qué no decirlo, también del teatro regional yucateco): la capacidad de hacer las cosas rápido y bien. Los actores entonces improvisan una farsa que hace reír a carcajadas al soberano, quien al día siguiente les otorga la sala de Petit-Bourbon (contigua al Louvre) para representar sus comedias. La soberana risa decidió una carrera, orientó a un artista que no sabía hasta entonces cuál iba a ser su verdadero camino. Sería la comedia, la farsa, las caricaturas para las que sí tenía el rostro, el cuerpo y el espíritu dionisíaco. Que compusieran tragedias Racine y Corneille, él reinaría solito en otro género, escribiendo, dirigiendo y actuando hasta su muerte en 1673 casi en el escenario, saturado de tuberculosis, dentro de su propia sátira. En la historia del teatro francés, Molière quedó como una excepción extraordinaria. Ninguno de sus sucesores supo afrontar la realidad y la teatralidad con tal coraje y agudeza. El teatro fue cátedra y tribuna con ese polémico gran burlón, ese flagelador de vicios y engaños, ese diseccionador del alma humana que fue autor, entre otras, de El enfermo imaginario (con la que murió), El burgués gentilhombre, El misántropo, La escuela de las mujeres, Tartufo (por la que lo excomulgaron), Don Juan, El médico a palos, El avaro, Las mujeres sabias y Las preciosas ridículas (la de mayor éxito taquillero en su momento). La importancia histórica de Molière radica en que sus personajes siempre tienen un pie en la actualidad (relación con su propio tiempo y sus costumbres) y el otro pie en la permanencia (relación con el tiempo y las costumbres absolutas). Sus obras han resistido y digerido -como las de Shakespeare-, todas las propuestas de montaje imaginables; son “fortalezas inatacables, edificios eternos del teatro y de la lengua, cumbres no igualadas del género cómico”, dice el dramaturgo Rafael Solana en el prólogo del libro Comedias de Molière, Editorial Porrúa. Por algo Nelson Cepeda (destacado actor y director teatral uruguayo radicado en Mérida desde hace varios años, y con experiencia probada en cuestiones de teatro pedagógico estudiantil) eligió Las preciosas ridículas. ¿Para hechizarnos con aquel charme? ¿Para engolosinarnos con una mousse au chocolat por el tricentésimo quincuagésimo aniversario de la obra? ¿Para reflexionar riendo sobre la ridiculez de lo “preciosista” chabacano? Si las preciosas llegaran a esta época, no se sentirían tan desfasadas; también ahora estamos abigarrados de influencias absurdas. Veremos cuál es su propuesta escénica con los alumnos y en el auditorio del Tecnológico de Progreso, el jueves 25 a las ocho de la noche.

Elena Novelo.

Seguimos abriendo ojos..

2009-04-03T19:52:00.000-06:00

Los ojos abiertos de ella Ricardo E. Tatto (abril 2009) Las luces se apagan. Un haz de luz atraviesa la sala repleta de gente. Cuando desemboca en su objetivo, la vemos a Ella sentada y tamizada por texturas e imágenes orgánicas en blanco y negro. Ella tiene abiertos los ojos. Los ojos abiertos de ella ha comenzado...Así inicia la puesta en escena dirigida por el uruguayo Nelson Cepeda Borba, avecindado en Mérida, que en esta ocasión nos trae una obra original de Raquel Diana, compatriota y colega suya, para el disfrute de todos los yucatecos que pudimos ver su estreno en enero, durante el Festival de la Ciudad. Ahora bien, el sábado fue su última función después de haberse presentado exitosamente durante todo marzo en el Centro Cultural Olimpo.En Los ojos abiertos de ella, sólo hay dos personajes: Él (Alejandro Subirats) y Ella (Elena Larrea). La escena nos remite a un ambiente surrealista, ya que una vez finalizada la proyección de fotografías de Patricia Martín Briceño, nos quedamos ante un escenario minimalista, que connota la pulcritud, asepsia y limpidez, de un lugar que no está aquí ni allá, sino en el camino. El limbo como hecho escénico.Es ahí, en esa realidad alternativa y monocromática, donde las acciones se suceden y los diálogos se entrelazan de una manera plenamente lírica y en cuya fluidez poética se abordan temas tan esenciales e intrínsecos para el ser humano, como lo son el amor, la vida, la muerte, los sueños.Con música de fondo de Yan Tiersen (que podemos escuchar como parte de la banda sonora de Amelie, dirigida por Jean Pierre Jeunet), Él, que no es otro que la misma muerte -lo cual es representado simbólicamente por sus zapatos rojos que contrastan con el prístino entorno— dialoga con Ella, que es la que pende de un hilo ante la eterna dicotomía entre vivir y morir.La belleza, como estado de ánimo y sensación estética, media entre ellos y el espectador, como el escenario donde se desarrolla tan vital y mortífero dilema. “Baile conmigo”, le dice Él a Ella. Accede y de la mano la introduce a través de lo que es una perfecta fantasía romántica que sólo puede darse en los linderos donde habita el subconsciente e inconsciente humano, en el plano onírico donde todo puede ser y nada lo es.La danza surrealista propicia el desplazamiento escénico de los actores, quienes a través de la biomecánica de movimiento (a cargo de Tatiana Zugazagoitia a quien pudimos ver en La mirada de Ulises), dan rienda suelta a sus escarceos amorosos, donde las palabras acarician la sensibilidad vulnerable de ella, que no sabe hacia dónde dirigirse y por eso Él pretende guiarla.Sin embargo, eventualmente Ella es la que tendrá que decidir su propio destino, al eludir las muertes cotidianas que nos suceden a los seres humanos a diario, cuando la inseguridad, la cobardía y las dudas nos impiden vivir a cabalidad, sin entregarnos plenamente a la experiencia vivencial que no es otra sino nuestra propia existencia, llena de matices, grises y claroscuros, que de ninguna manera son monocromáticos como a veces nos empeñamos en percibir nuestra propia vida.Obra profundamente filosófica y reflexiva, llena de metáforas del lenguaje y una riqueza de imágenes poéticas, propicia la contemplación interna hacia nosotros mismos, donde si nos atrevemos a ver de frente el destino ineludible de todos los seres, podremos abrir los ojos y reconocer el milagro de estar vivos, la maravilla de la existencia, el regocijo del mero hecho de respirar profundamente, del privilegio de sentir y experimentar toda la amplia gama se sensaciones, emociones, sentimientos y experiencias que el mundo de los vivos tiene que ofrecernos, antes de la inexorable diáspora que paulatinamente todos emprenderemos hacia el sitio nebuloso, pleno de misterio e inexpugnable que es el abismo, el otro lado, la nada, que no es otra cosa sino la misma muerte.Ella abre los ojos, pero el telón se cierra. Las luces se encienden y, todavía en pleno estado introspectivo, el espectador se dirige a la salida aún envuelto en un aura de ensueño, donde con suerte alcanzamos a atisbar que la antítesis de la vida no es la muerte, ya que morir es lo contrario a nacer. Entonces, vivir es sólo eso, el breve ínterin que no tiene parangón alguno ni antónimo, porque la vida no es ninguna otra sino Ella misma.Las actuaciones fueron satisfactorias, si bien la obra está construida para un mayor lucimiento del papel femenino, que, efectivamente, fue representado a cabalidad por Elena Larrea. Por otro lado, Alejandro Subirats se asumió como su contraparte a la perfección, regalándonos a una muerte elegantemente ataviada, encantadora y seductora, de esas que te invitan a irte bailando hacia el más allá.

Mi paso por la escena.

2009-03-20T05:45:00.000-06:00

Nelson Cepeda Borba creador escénico (Montevideo, 1970). Desde 1998 desarrolla en Yucatán una fecunda labor que va desde la impartición de talleres de teatro hasta relevantes montajes escénicos, pasando por la enseñanza artística a nivel medio y la difusión de los valores regionales de nuestra cultura. En sus trabajos juega con las tradiciones ancestrales de la región y se esmera por enaltecer su valor cultural.

Entre sus trabajos escénicos destacan el guión y la dirección de El mundo cambia, pero ella no (2001) performance en alusión al tema del Hanal Pixán; El renacer de Cristo en el Nuevo siglo (2001), pastorela mestiza; la dirección escénica de Hombre de aula y letras (2003), en reconocimiento al maestro Eduardo Tello Solís; El desayuno durante la noche (2004), de Ricardo Prieto; Te amo en tres palabras (2004), en homenaje al poeta Clemente López Trujillo; Amor de ópera (2005), de su propia autoría; Umbrales (2006), de Teresita Galimani; Mujeres de arena (2006), performance con textos de Beatriz Rodríguez, Claudia Sosa y Reina Echeverría; Pedro y el Lobo (2006), de Sergei Prokofiev; Cartas de amor en el café (2006); Los disfraces (2007), de Ricardo Prieto, y nuevamente Desayuno durante la noche, La noche del jaguar(2008),de Luis Pérez Sabido, Lelatril6 ( noviembre 2008) de Wílberth Herrera.. Participa en el Primer Festival Internacional de Performance México – Japón, con Siglo XX, eres parte de la historia (2002); en el Segundo Festival Internacional de Performance México -Europa (Black Market), con Palabras (2003); Segundo Festival de las Artes de la Ciudad de Mérida, con Umbrales (2006); Tercer Festival Internacional de las Artes de la Ciudad de Mérida y Segundo Festival Internacional de las Artes Chetumal Bahía, con Los disfraces (2007); Primer Festival de las Artes de la Ciudad de Mérida, con la ópera de cámara Tormento… el misterio de un amor (2008).Segundo festival de la ciudad de Mérida(2009) ,con la obra Los ojos abiertos de ella. En el año 2003 gana un concurso del Ayuntamiento de Mérida con su propuesta de trabajo interactivo Cuéntame una leyenda, basada en textos de Ermilo Abreu Gómez, que lleva a las comisarías de Mérida con el fin de dar a conocer las historias, gentes y costumbres del pueblo maya de Yucatán. En el 2007, gana la convocatoria del programa “Cultura en tu comunidad” del Ayuntamiento de Mérida, con El laberinto del saber, basado en costumbres y tradiciones mayas, que igualmente lleva a las comisarías de Mérida. Actualmente es becario del FOECAY 2009 como creador con trayectoria, con el proyecto del “Aula a la escena” (trabajo comunitario de dirección)

Los ojos abiertos de ella.

2009-03-20T05:17:00.001-06:00

“Garbanzo de a libra” en la cartelera teatral Sorprende el elenco en la obra “Los ojos abiertos de ella” ¿Qué ha de llegar primero? ¿La muerte o el próximo día? Partiendo de estas interrogantes, la dramaturga uruguaya Raquel Diana ha creado una arriesgada pieza teatral plena de imágenes oníricas y juegos escénicos que el director montevideano Nelson Cepeda Borba montó con gran éxito, en el auditorio del Olimpo, el pasado Festival de la Ciudad de Mérida.Controversial, reflexiva, entrañable, “Los ojos abiertos de ella” aborda la disyuntiva de una mujer que agoniza (Elena Larrea) y tiene que elegir entre el último suspiro o el amor del hombre de su vida.Diálogo-duelo entre esta dama en decadencia y su Don Juan inesperado (Alejandro Subirats), la obra cautiva desde la primera escena, cuando el espectador se enfrenta con las evocadoras fotografías de Patricia Martín proyectadas sobre lienzos blancos.Naturalidad Sorprende la naturalidad con la que los actores asumen sus roles en esta puesta en escena sobre un tema tan polémico. Elena Larrea ha logrado captar la esencia del personaje principal y es casi imposible no dolerse con su representación. Por su parte, Alejandro Subirats, desde sus primeros parlamentos, adopta sin tropiezos como suyo el seductor papel de la muerte.El trabajo de Cepeda Borba, apoyado por el talento de Tatiana Zugazagoitia (biomecánica de los actores), Mónica Costa (edición de vídeo), Carlos Cervera (iluminación) y Hernán Berny (música), remite al espectador al teatro del absurdo, donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana.Un acierto, sin duda, lo constituye la austera escenografía. Sólo una silla vanguardista y el blanco impecable de las cortinas con las que el director se aleja de esas pesadas cargas visuales que suelen revestir gran parte de las posmodernas puestas en escena. Así, la delicadeza del vestuario diseñado por Manuel Ek luce a tono con la belleza visual de la propuesta y culmina cuando la protagonista calza los zapatos rojos, el único golpe de color en medio de la blancura. Si es verdad que el teatro es capaz de hacer que la conciencia acceda a una exacta apreciación del destino, “Los ojos abiertos de ella” es una muestra admirable de ese teatro liberador que fomenta el pensamiento crítico, el gran ausente del siglo XXI. Y el trabajo que Cepeda nos regala ahora es, sin duda, muestra de la madurez que como director ha alcanzado.— Carlos Martín Briceño

Una mirada a los ojos...

2009-02-07T08:48:00.000-06:00

Desde el Olimpo de Mérida, “los ojos abiertos de ella”, nos muestran que otra mirada es posible, siempre que seamos capaces de entender con nuestros sentidos bien alerta; el eros y el thanatos de nuestra condición humana. Los ojos que permanecen cerrados, solo escuchan el ruido difuso del mundo, por eso la dramaturga uruguaya, Raquel Diana, decidió un buen día, abrirlos para siempre y darse cuenta que otro mundo también es posible. Raquel obsesionada por “las muertes” que nacen de nuestra cobardía para enfrentar con valor la alegría de vivir; estructura un drama surrealista a partir de su propia experiencia erótica y thana’tica. El texto se estructura en dos planos yuxtapuestos con gran eficacia para contar su historia a través de dos personajes (‘el) y (ella) que interactúan en tercera y primera persona indistintamente como recurso narrativo para justificar las acciones dramáticas. El texto aborda con cálida inmediatez y fina ironía los hondos problemas existenciales, la fragmentación y finitud humanas, la incomunicación y la corrosión del tiempo. Ese tiempo precioso e irrepetible que tanto desperdiciamos banalmente cuando cerramos los ojos. Es preciso un golpe que nos sacuda para abrirlos, parece decirnos Raquel Diana, cuando su personaje decide verle a los ojos directamente a la muerte y atreverse a tutearla; “a fin de cuentas mi vida y mi muerte son mías y de nadie mas.- es entonces cuando ·ella” entiende que estamos solos en el escenario del mundo y la única tabla de salvación es eros. El erotismo es la única salvación iluminadora y experiencia suprema. Es el eros que se impone a Thanatos (él).La lucidez y el delirio en un impulso único se funden entonces cuando (ella) con los brazos abiertos cierra el telón diciendo: gracias. Las actuaciones Elena Larrea es (ella). Como siempre, la primera actriz yucateca, nos muestra todos sus recursos actorales; y le da vida a un personaje difícil y complejo. Elena, logra entender el sentido del texto y construye su personaje bordando sus aristas aquí y allá con singular maestría vivencial. Nos conmueve su entrega total en el llanto, la risa o su entereza al caminar sobre una cuerda, nos logra convencer que tanto ella, como nosotros, caminamos sobre una simple cuerda que es la vida; que efectivamente siempre hay una trampa a la vuelta de cada cosa, incluso a la vuelta de casa ilusión, pero no se trata de estropear el mundo con la sospecha. Hay que ser optimistas y soñar con los ojos abiertos como propone Raquel Diana y como nos propone la propia Elena en esta personificación antológica de (ella). Alejandro Subirats es (Él) Este actor interpreta su personaje desde una óptica en la que, sinceridad y actitud distanciada se alternan en forma enriquecedora en el juego escénico con (ella).- (él)- te tengo aquí y podría quebrarte como una hoja seca con sólo cerrar mi mano. Pero prefiero besarte... bailar juntos eternamente. (Ella)- gracias – (se besan). (él) (Separándose y abriendo los ojos) – No, así no. Usted me tiene que elegir. El amor y la muerte soñados son otra cosa. Usted me tiene que amar a mí, despierta o dormida, pero sin equivocarse. (Desaparece). Subirats, concibe a su personaje como un ejercicio de memoria emotiva tanto en sus acciones físicas como en el discurso escénico. Hilvana acertadamente la gestualidad con un peculiar sello interpretativo, estableciendo una relación simbiótica con su contraparte. La puesta en escena Es minimalista y de gran factura y funcionalidad. La composición y el diseño escénico es tan hermoso como un cuadro neorrealista del mejor cine de F. Fellini. Los cinco minutos del Opening con el escenario todo de blanco y la figura hierática de (ella) cubierta por efectos de luces y proyección de fotografías de Patricia Martín, apoyado en una exelente banda sonora a base de Yan Tiersen, y que armoniza con el ambiente nostálgico del puerto Uruguayo de Montevideo, son inolvidables. La triada de Nelson Cepeda Borba como Director, Patricia Martín en el diseño espacial y Mónica Costa Codwel en la proyección de imágenes crea un efecto mágico de tercera dimensión en esta hermosa puesta en escena. El montaje teatral del maestro Nelson Cepeda se sustenta además en un cuidadoso trazo escénico donde incluye la utilización apropiada de la Biomecánica de los actores que aporta Tatiana Zugazagoitia. Para su magnifica puesta en escena, el director concibe los ojos abiertos de ella en cinco cuadros surrealistas: · La figura hierática de (ella) con los ojos cerrados y con (él) a sus espaldas. Acechando, listo para devorarla. · El encuentro con (él) la muerte. (ella no tiene miedo de caerse de la cuerda floja). · El acercamiento (él la seduce y ella se deja). · El Juego (para llevársela). Y por último: El Enigma. (El simbolismo de los zapatos rojos de la muerte en un intercambio simbiótico cuando se los entrega a ella)(Aceptación de que la vida y la muerte son las dos caras de una misma moneda de cambio biológico y se complementan). Solo que (ella) se sobrepone porque decide vivir con los ojos bien abiertos cuando le dice: -me voy, te dejo.- y (él) bien, ya decidiste. Desde mi percepción la puesta en escena del Director Uruguayo Nelson Cepeda Borba es de las mejores que se han presentado en el apartado de teatro, durante este Festival de la Ciudad de Mérida en 2009. Pedro Juan de la Portilla 4 de febrero de 2009 Mérida Yucatán

De las cajas de cartón a la puesta en escena.

2009-02-07T08:42:00.001-06:00

De las cajas de cartón y las tapas de refresco a la puesta en escena. Por Nelson Cepeda Borba Hoy a mis treinta y ocho años de edad me doy cuenta que lo único que he estado haciendo hasta el día de hoy es vivir siempre realidades alternas a mi propia vida. Esta es la clave que me permitió hondar en este mundo asombroso, demandante, sensual, aprensivo, celoso y cautivante del teatro. Tenía unos seis o siete años de edad y recuerdo que al salir de la escuela, corría a la tienda de la esquina por algunas cajas vacías de los productos que allí se vendían, para luego transformarlas en escenografías y escenarios según mi imaginación. Unas cuantas tapas de refresco me servían para dar vida a una infinidad de personajes de la tele de aquel momento. Y con este juego comencé a vivir mis realidades alternas. Al pasar del tiempo decidí meditar, sobre los nuevos lenguajes de la comunicación, la imagen y su interrelación con los públicos, los de ayer y los de hoy. El concepto de puesta en escena es el término que engloba distintas disciplinas y técnicas artísticas como: actuaciones, escenografía, vestuario, iluminación, música, fotografía, entre otros, para que sea comprensible un texto que va a ser representado para un público (la dramaturgia). Puesta en escena es la llave a un universo paralelo al mío, un universo en el cual si me adentro en él descubro estilos, formas de pensar, un autor, un genero, en pocas palabras me adentro en el universo interpretativo de la escena. Para una puesta en escena se necesita tener un mensaje, una emoción, una idea que transmitir y entregar al público. Paso siguiente es la elección de un texto que contenga aquello que quiero expresar, lo que me permite crear con mayor facilidad y adentrarme en el mundo de la interpretación. Es necesario encontrar el espacio idóneo que permita recrear una realidad alterna. El espacio debe ser explorado para dotarlo de las condiciones necesarias para la puesta en escena. La exploración del espacio me permite como director, el análisis del espacio real para situar a los personajes en una proximidad psicológica adecuada. El contexto cultural de la obra determina las necesidades espaciales para una adecuada expresión del mensaje. El teatro contemporáneo ofrece la posibilidad de utilizar diferentes espacios: casas, parques, autobuses, lugares históricos o naturales, entre otros, que permitan un mayor realismo; así como una distancia entre el espectáculo y el espectador que facilite una participación más crítica. Un elemento indispensable para una puesta en escena es el manejo de la imagen. La imagen son todos aquellos elementos que nos permiten crear el efecto artístico que se pretende generar ante el público. Imágenes que nos ofrecen realidades deseables, bellas, armónicas, maravillosas, que a su vez, son ilusorias. Debemos ser extremadamente meticulosos con cada elemento que ha de componer la imagen que estamos creando. Diseño, formas, colores, materiales, confecciones, realización de utilería, etcétera. Ningún detalle es exagerado cuando se trata de alcanzar la expresión de lo artístico. Es inevitable correr riesgos para poder habitar ese otro universo alterno y vivirlo en toda su extensión física y emocional. En el teatro contemporáneo la puesta en escena debe ser un ejercicio constante. Como guía y director de escena, debo invitar al actor a sumergirse en la realidad que estoy creando, y de esta forma descubrir juntos el universo interpretativo de la escena. Si el actor es capaz de recrear por medio de su trabajo la ficción que se plantea, el público podrá experimentar una realidad fuera de su mundo cotidiano. Para que una puesta en escena esté viva es necesario tener una meta. Una vez terminado el montaje es preciso presentarse más de una vez. El montaje debe tener continuidad; por medio de la constante presentación, la realidad creada toma nuevos matices y formas, haciendo casi realidad ese mundo de ficción. Cuando yo realizo una un montaje, me apropio del espacio para crear dentro de él la realidad alterna que han de vivir actores y espectadores. El director debe ser generoso con el público, debe poner sus emociones y vivencias al servicio del montaje para hacerlo lo más vivencial posible. No son los artificios tecnológicos, las técnicas y metodologías de moda, lo que permite al espectador habitar el mundo de la escena. Por ello, es necesario pensar que una puesta en escena existe para alguien y ese alguien es el público; y no para satisfacer el ego creador. Debemos recuperar nuestra identidad y aceptarnos tal cual somos, no es necesario imitar vanguardias extranjeras o modas aparentes, debemos ser. El ser nos hace libres para crear y habitar un mundo o realidad paralela a la nuestra y sobretodo nos permite aceptar al otro con sus defectos y virtudes. Aceptar que hay distintas formas de crear y trasmitir el pensamiento. Cada uno de nosotros construye sus realidades. Yo le doy gracias a mi pasado y mis orígenes que nunca me desamparan y que me permiten ahora ver la vida en el teatro con mayor objetividad. Creo que queda mucho teatro por venir, teatro del nuestro y de todos, eso si: recuerden amigos creadores que el espacio del arte es un lugar para sentirnos más cerca de la palabra y los sentimientos más profundos del ser humano, sobretodo los del humano que tenemos en frente. Recuperemos un poco de ingenuidad y de alegría y los invito a jugar con las cajas de cartón y las tapas de refresco.

Los ojos abiertos de ella... su gente.

2009-01-25T08:22:00.000-06:00

Reparto: Elena Larrea es Ella Alejandro Subirats es Él Equipo técnico: Puesta en escena y dirección artística: Nelson Cepeda Borba Asistente de dirección: Gabriela Ávila Asesoría de proyecto: Raquel Fuente González Fotografía: Patricia Martín Briceño Diseño espacial: Patricia Martín y Nelson Cepeda Borba Biomecánica de movimiento: Tatiana Zugazagoitia. Diseño gráfico e Ilustración: Univ. Centro de Estudios de Las Américas Diseño sonoro: Nelson Cepeda Borba Edición de Vídeo: Mónica Costa Diseño de iluminación: Carlos Cervera Diseño de mobiliario y de utilería escénica: Nelson Cepeda Borba Diseño y Realización de vestuario: Ekmanuel Diseño de Maquillaje: Ilka Monforte

¡Vuelven! "Los ojos abiertos de ella"

2009-01-25T07:56:00.000-06:00

Nuevamente "Los ojos abiertos de ella"en Mérida.

Si es verdad que el teatro es capaz de hacer que la conciencia acceda a una exacta apreciación del destino, Los ojos abiertos de ella es una muestra admirable de ese teatro liberador que fomenta el pensamiento crítico, el gran ausente del siglo XXI. Es la dramaturga uruguaya Raquel Diana ha creado una brillante y arriesgada pieza teatral plena de imágenes oníricas y juegos escénicos que, por momentos, remite al espectador al teatro del absurdo, aquel donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana. Carlos Martín Briceño.

Un día, sin razón alguna, sin que importantes científicos consultados afirmaran más que la ausencia total de explicación, algo explotó dentro de mi cabeza. He sobrevivido sin mayores consecuencias dolorosas. Así que puedo afirmar que lo verdaderamente temible no es `la muerte`, sino `las muertes`, esas que cada día se nos llevan un pedazo, montadas en la resignación, la cobardía o la desilusión.

Raquel Diana.

Umbrales

2009-01-18T22:35:00.001-06:00

El próximo 13 de enero en el Teatro Tiovivo de Mérida UMBRALES, METÁFORA REPRESENTATIVA SOBRE LAS DIVERSAS TRANSFORMACIONES DEL SER HUMANO José Lara Mérida, Yucatán.- En el montaje Umbrales, un útero imaginario sirve como metáfora para representar lo que el ser humano experimenta ante las diferentes transformaciones que le acontecen y que se manifiestan a través de decisiones, de las diferentes edades y los ciclos de la vida. Nelson Cepeda Borba, director y Teresita Galimany, dramaturga, son autores de esta propuesta donde X y Y se debaten ante el impostergable momento de la mudanza. La vida se construye al cruzar sus diferentes umbrales, propone el montaje. Cruzar, dar el paso siguiente, seguir, pasar, dejar atrás para trascender es un acto que duele porque lo vivido ya se ha agotado. Así lo muestran ambos personajes cuya sicología ofrece varias lecturas: prenatales a punto de abandonar el útero donde experimentaron su primera eternidad, la joven pareja humana en el doloroso momento de la separación y los ancianos que después de compartir toda una vida se hallan ante el lecho de muerte. "Ya casi vivimos todo el mundo", dice X quien está dispuesta aunque temerosa al cambio, y a la vez da sentido al porvenir desde el plano de la acción y la memoria: "Precisamos de misterios, voces y recuerdos para cuando vayamos a otra parte". En cambio, Y se muestra pasivo, conforme con su realidad que vive con tranquilidad y obediencia. Él no necesita de recuerdos porque todo lo deja en el "altar del silencio" donde la verdad, que está confinada al olvido, no creará ningún fermento. "Cuando me vacíe algo terrible va a pasar y será tu culpa por llamar al olvido", reprocha ella mientras que él asume su verdad como un sueño de Dios, en el que la idea de ser mortal es una mentira. Umbrales es una obra modesta, desarrollada con los elementos necesarios, los cuales en ningún momento restan calidad ni creatividad al esfuerzo del equipo dirigido por Nelson Cepeda. La musicalización está a cargo de León Enríquez, artista sonoro y uno de los más prolíficos dj´s que existen dentro de la escena de la música electrónica en la capital meridana. Para este proyecto, Enríquez echó mano de los paisajes sonoros, donde confluyen latidos del corazón, sonidos del ambiente cotidiano y del mar para motivar la experiencia auditiva del montaje. Por su parte, la artista visual Vanessa Rivero es la responsable del diseño escenográfico, propuesta que desarrolló en tela y en la que el lenguaje se descifra mediante la conjugación de imágenes que aluden a algunos órganos visuales con conceptos como verdad, muerte, vida, Dios, umbrales. La iluminación está a cargo de Luis Manuel Aguilar y el diseño de vestuario es de Leticia Achach Dájer de Dájer. Actúan Sandra Paloma Avendaño y Juan Manuel Coral, todos ellos talentosos jóvenes creadores en activo según su disciplina. Intimista, que a veces trasciende de un plano cotidiano para llegar a lo metafísico, Umbrales también recuerda esos viejos mitos que revelan la naturaleza de la mujer y el hombre. De pronto uno se mira en la Caverna de Platón ante las sombras de lo desconocido que proyecta el exterior, a veces en el Jardín del Edén en el pasaje de la tentación de Eva a Adán, y ante el andrógino que después de ser separado en hombre y mujer se encuentra desesperado para unirse, reconocerse y comprenderse a través del otro, en un acto de amor.Umbrales se estrenará el viernes 13 de enero a las 19:00 y 21:00 horas en el Teatro Tiovivo ubicado en calle 18, número 71 x 9 colonia México Norte. Las funciones son parte de la programación del 2º Festival Internacional de las Artes. Mérida capital cultural.

Tormento... el misterio de un amor.

2009-01-17T11:00:00.000-06:00

23 de enero de 2008 Ricardo E. Tatto En el marco de las actividades por el Festival de la Ciudad, se presentó la obra de teatro-ópera “Tormento… el misterio de un amor”, escrita y dirigida por Nelson Cepeda Borba, en el auditorio del Olimpo. La función se llevó a cabo el viernes 18 de enero a las 9PM, ante un teatro lleno hasta el tope.La trama versó sobre Gilda (Silvia Káter), quien padece un mal de amores debido al aciago recuerdo de Antonio, un cantante de ópera que se inspiraba en las voces de los artistas de su tiempo para crear su propia inspiración a la hora de cantar.La obra comienza con Gilda, quien se lamenta de la ausencia del amado, y expía ante nosotros los frutos podridos de su dolor interno, siempre al borde de las lágrimas, manifestando a través de las palabras, suyas y prestadas, que lee sin cesar desde un libro de los múltiples que tiene apilados, tal vez para sepultar su desamor bajo un aluvión de tinta.Entre sus agrias remembranzas, episodios borrosos y fantasmales del pasado comienzan a corporizarse bajo la forma de fragmentos de famosas óperas, tales como La Boheme, Werther, Lakme y Los cuentos de Hoffman. Esos recuerdos fueron interpretados por las sopranos Mía Monforte y Patricia Achach.A su vez, el tenor Hugo Pinto interpretó a Antonio Franccela, el responsable de los patéticos suspiros de Gilda. Él a su vez, nos cantó el relato de sus amores fallidos. La obra es mínima en textos, confiando en lo visceral de las emociones, que sin duda fueron despertadas por la música, siendo que para algunos entendidos ya forma parte de su bagaje cultural y de su imaginario colectivo, por lo que mayores explicaciones no fueron necesarias.Si embargo, precisamente ahí radica el único reproche que le podría hacer a esta puesta en escena, ya que no todo el público está familiarizado con estos amores trágicos operísticos, y esto, aunado a la ausencia de textos referenciales durante los diálogos, llega a confundir al espectador según algunos comentarios que escuché a la salida.Debo admitir que ante el lirismo desplegado, por momentos yo igual perdí el hilo de la historia, por lo que en muchos casos el público se limitó a disfrutar de las maravillosas voces de las sopranos o del tenor, provocando una inmersión superficial en la historia.Fue un buen intento de mezclar dos formas de la representación escénica en una sola, y si bien fue rica en emociones, la historia quedó un poco de lado ante la calidad musical desplegada. Al menos Mia Monforte en su intervención provocó que los ojos se me anegaran, pero sin llegar a derramarse.También Patricia Achach y Hugo Pinto estuvieron a la altura, al menos en lo vocal. No obstante, Pinto evidenció una pobre actuación, comprensible siendo que no es un actor profesional sino un tenor. Aún así, sus palabras sonaron huecas, sin vida, lo cual debe ser subsanado con ensayos para las futuras presentaciones.Silvia Káter estuvo a la altura, aunque por momentos su dramatismo me pareció exagerado; el romanticismo llevado demasiado lejos puede romper la delgada línea entre lo verosímil y lo sobreactuado. Tal vez emular los gestos operísticos era la intención, pero su traslación al teatro no es igual.Al piano, Alberto Álvarez fungió como invitado. Los vestuarios fueron de Manuel Ek ,Maquillaje Ilka Monforte y el diseño sonoro de Pepe Molina. La escenografía fue muy buena, contribuyendo a realzar ese entorno tétrico de delirio desaforado, la tristeza enmarcada en un ambiente otoñal. En el programa no se señala de quien fue el diseño.En definitiva vale la pena ir a ver esta puesta en escena, sobre todo por el talento inmiscuido en esta obra, que esperamos sea repuesta prontamente, ya sin asperezas.

Cartas de amor en el cafè.

2009-01-16T22:06:00.000-06:00

La noche del jaguar.

2008-11-23T19:45:00.001-06:00

Grata velada bajo el signo del jaguarPasión y venganza, en una historia de Luis Pérez SabidoEscrita y publicada hará nueve años, el drama simbólico “La noche del jaguar” del maestro Luis Pérez Sabido logró anteanoche, en el Teatro Peón Contreras, la mágica concreción de la puesta en escena. Finalmente, los personajes y los ambientes, cautivos en el papel, se alzaron con la mercurial entonación del matiz dramático.Fue el uruguayo Nelson Cepeda Borba quien transfirió los textos primordiales a su nueva existencia sobre el tablado. Un grupo de diestros actores, algunos ya con casi medio siglo de insistencia; cuatro danzantes armados de simbólica coreografía, un rememorante diseño escenográfico sobre escena giratoria, así como luces diestramente utilizadas, fueron los elementos que, conjugados, modelaron el grato resultado.“Así está escrito en el tiempo sobre negro pedernal”. Como un ídolo de la soberbia Palenque, bajo el haz de luz que pareciera divina, el viejo sacerdote, resumen de los míticos orígenes, preludia el mundo de injusticias y sinsabores que habrán de acontecer bajo la atenta mirada de los dioses, ocultos en las aguas y en lo espeso del boscaje.Fogata que se amplía con astutos latidos, escrita en el verso que exige de los actores más interrogantes de pronunciación, el drama del maestro Pérez Sabido cruza limpiamente y sin fisuras esos sutiles puentes que conducen al apego y al interés de los espectadores.Criaturas verbales se tornan de carne y hueso: la nana temerosa y suplicante, el hacendado que desembarca ilimitadamente sus caprichos, la joven mestiza cuya bella juventud es a la fuerza poseída, el joven maya que sólo respira deseos de justicia y de venganza. Seres portadores de sentido vivencial, de poética ocasión para murmurar los meandros del conflicto.Con seguridad, el público estudiantil de preparatoria a quien se destina esta pieza por acuerdo de la SEP disfrutará con el hábil manejo de las situaciones y el simbolismo que recubre el devenir de las escenas. Si están atentos hallarán los temas que, desde Eurípides, alimentan el juego dramático: la pasión incontrolada, la esperanza de redención, el ansia de libertad, el castigo de los males cometidos.Elenco Felicitaciones para Eglé Mendiburu, auténtica nana Serafina; Francisco Sobero “Tanicho”, amo de vigorosa voz y negro espíritu; Wendy Basalto, paloma arrebatada por el gavilán; Salvador Mares, el joven sediento de vengar su sangre, y Jorge Chablé como el sacerdote que encarna la antigua raza.Mención aparte tienen los danzantes que subrayan los destellos míticos: Milton Acereto (coreógrafo), Juan Manuel Coral, César Pérez y Alfonso Medina.En la parte musical, felicitemos a Gabriel Moreno (diseñador) y Germán Muñoz. En el plan escenográfico y la iluminación, pieza clave, se contó con Luis Aguilar “Mosco”. El cronista se suma a las felicitaciones que ha recibido recientemente el maestro Pérez Sabido, no sólo por la puesta en escena de este “jaguar”, sino por sus bodas de oro en estos menesteres del teatro. Desde nuestra pequeña columna hemos sido testigos de treinta y seis de esos cincuenta años.— Jorge H. Álvarez Rendón

En medio de un prolongado y unánime aplauso otorgado por el público ,que casi llenó en su totalidad el centenario y hermoso teatro “Peón Contreras”,me dispuse a abandonarlo. Apenas bajé las escaleras me encuentro con los sonrientes rostros de dos buenos amigos y mejores creativos, coincidentemente los dos bautizados como Eduardo. Uno de apellido Arco, el otro Serrano. Uno, gran artista de la lente, el otro, el mejor museógrafo local. Ambos me miran extrañados: “¿Tú, Jorge, en una obra de teatro?¿...Qué haces aquí?”..”Pues ya ven, a veces se dan los milagros”, les respondí. Todo eso me hizo reflexionar, mientras me encaminaba al paradero de autobuses, y me permitió recapitular desde el momento en que llego al teatro y veo una mayoría de caras desconocidas, solo una que otra resultaban identificables para mí, que me muevo muy poco en estos círculos. Ahí están May Tilán, Rich Helguera, De la Rosa, Marbán, Hortensia Sánchez, Cortés Ancona, Benjamín, Víctor Salas, Cascante, etc, además de gente de teatro, funcionarios culturales y los snobs de siempre. Se podían ver desde damas encopetadas y solemnes, hasta las más alegres y desinhibidas. Desde ropa cara y de marca, hasta camisetas “zaga” marcadas con uno que otro agujerito. Huaraches y pantalones de manta, pelambres desteñidas de rojo, hasta alguien enfundado en una especie de batón con cuello tipo “mao”..había de todo!!, que hacían lucir al “Peón Contreras” vivo y alegre, albergando a tan variadas especies humanas!!. Yo respeto y admiro mucho el mundo teatral y los que lo hacen posible: actores, actrices, escenógrafos, iluminadores, etc, la considero una de las expresiones y disciplinas artísticas más auténticas y vinculadas históricamente con las sociedades de todo el planeta, pero, debo confesarme un tanto ermitaño, por lo que asisto muy poco a sus recintos, así que me podría considerar un tanto neófito en el tema, pero eso no me impidió ir esa noche, y además había un motivo muy especial para estar allí. Primero, fue el estreno mundial de una obra costumbrista .”La noche del jaguar”, escrita por uno de los últimos íconos yucatecos de la cultura tradicional : el Mtro. Luis Pérez Sabido, a quien además –con toda justicia- se le haría un reconocimiento a sus 50 años de trayectoria. Emotivo acto que logró reunir a diversas personalidades del quehacer cultural de Yucatán, Campeche y Quintana Roo..Sin embargo, en medio de toda esta vorágine de remembranzas, halagos, y agradecimientos, me llegaba la inevitable pregunta que en otros eventos siempre me hago y pocas veces logro responder con exactitud: ¿fuera de amigos, familiares y gente de teatro, cuántos estábamos ahí realmente por el teatro, o por la obra?..y en lugar de seguirme enredando mentalmente, decidí disfrutar y divertirme con todo el entorno..tal vez era la oportunidad de presenciar una gran actuación colectiva, dentro de la actuación- por cierto magnífica- de los actores de la obra anunciada... Mi otro gran motivo fue ir a escuchar lo que prepararon mis dos compañeros integrantes de In Vitro, bajo el rimbombante título de “diseño sonoro”, el guitarrista Gabriel Moreno y el bajista Germán Muñoz realmente me sorprendieron por su seguridad, exactitud y adecuado manejo de los tiempos, situaciones y sentimientos . Ni más, ni menos, música e instrumentación de reminiscencias prehispánicas y mestizas que ambientaron y le dieron la fuerza necesaria que el guión requería. Congratulaciones a mis compañeros, hasta se podrían dedicar a eso!!(sin descuidar a In Vitro) igualmente mi respeto y admiración por la gran actuación de la legendaria Eglé Mendiburu y el reconocido Francisco Sobero Tanicho. También Jorge Chablé por su personalidad y voz al relatar la historia. A Wendy Basulto y Salvador Mares por su gran desenvolvimiento escénico y a los expectantes y plásticos danzantes Juan Coral, Cesar Perez ,Alfonso Medina y Milton Acereto. Mención aparte merece la convincente puesta en escena y dirección de Nelson Cepeda y todo el equipo de iluminadores, vestuario, maquillaje, escenógrafos, coreografía, asesoría, diseño, etc, pues sin ellos nada de esto hubiera sido posible. Les pido disculpas por omitir sus nombres por falta de espacio, pero creo que su trabajo habla por sí solo y permite reafirmar el muy buen nivel que atraviesa el teatro yucateco…Felicidades a toda la comunidad teatrófila por la serie de obras de todo tipo que se seguirán presentando, gracias al trabajo y compromiso, que ahora sí parece ir en serio, del ICY y muchos años más de trabajo creativo y cultural del homenajeado Maestro Pérez Sabido…En fin una noche alentadora, divertida y aleccionadora, que espero seguir repitiendo.. Por Jorge Cervera Ramírez

LA NOCHE DEL JAGUAR María Teresa Mézquita Méndez Antes que nada quiero externar mi agradecimiento al Prof. Luis Pérez Sabido por haberme invitado; es un honor y una gran alegría para una servidora tener la oportunidad de compartir con ustedes estas palabras, en el marco del Festival de Teatro Wilberto Cantón en su edición 2008, en esta fiesta de la representación en la cual todos nos congregamos en torno a la escena para ver cómo se viven otras vidas y cómo se expresan otros hombres y mujeres que por unos minutos dejan de ser quienes son para ser otros e invitarnos a los espectadores a ese mundo de ficción en un acuerdo por todos pactado. Me honra especialmente felicitar a Luis Pérez Sabido, maestro, investigador, director teatral y dramaturgo, con quien me une una amistad de muchos años, al igual que a mi familia. Felicidades, Luis, por este aniversario extraordinario, 50 años en pro del arte y la cultura de Yucatán y México que justamente te reconoce el Instituto de Cultura de Yucatán. Sin duda, se ha elegido la mejor manera de celebrar este aniversario y de marcar la pauta de apertura del festival Wilberto Cantón con una obra —La noche del jaguar— que recibió mención de honor en el Certamen estatal de teatro del mismo nombre, en el año 2001, y en la cual tuve el honor de participar en una lectura en atril, en octubre de 2006. Así que se hace teatro, y teatro en verso, en la casa del teatro en Yucatán, el Peón Contreras, en este monumento arquitectónico que lleva el nombre de nuestro más excelso dramaturgo, don José Peón Contreras, quien escribía su obra precisamente en el ejercicio de la poesía. Es, pues, una noche excepcional que conjuga factores valiosísimos: teatro, teatro yucateco, teatro en verso, actores yucatecos y el mejor entorno, centenario espacio para la ideal convocatoria de nuestro público. Los octosílabos del discurso dramático de “La noche del Jaguar” relatan a través de la historia del reencuentro entre la bella Mukuy y el joven Balam en una hacienda yucateca, la historia de una profética venganza, de la justicia largamente esperada, desenlace del enfrentamiento y amalgama inevitable de dos razas y dos historias forzosamente entrecruzadas, sellados con el paso feroz del jaguar, rugido y ráfaga de luz en la penumbra del anochecer de los mayas. Hoy veremos, con un repertorio espléndido, con figuras experimentadas de la escena yucateca como Eglé Mendiburu, Francisco Sobero “Tanicho” y Jorge Chablé y a generaciones que eran emergentes hace algunos años y hoy ya se han consolidado en el quehacer teatral nuestro como Salvador Mares y Wendy Basulto. El acento dinámico en esta puesta en escena, es la danza, coreografía de Milton Acereto quien participa acompañado de Juan Manuel Coral, César Pérez y Alfonso Medina. Los danzantes, a veces humanos y a veces felinos, entablan un diálogo gestual con los parlamentos y acentúan el ritmo primitivo y a la vez pleno de contemporaneidad del espíritu de este montaje. Todo ha sido indudablemente cuidado, la música que escucharemos es resultado del diseño sonoro de Gabriel Moreno Roche, a quien le acompaña Germán Muñoz en la ejecución. Asimismo, hablemos del trabajo en la escenografía de Luis Manuel Aguilar “Mosco”, la asesoría del uso del maya y el diseño de vestuario de Nahim Alcocer, la asesoría de Raquel Fuente, la participación de Gabriela Ávila como asistente de dirección, la realización de escenografía a cargo de Oscar López, y la de vestuario y maquillaje de Manuel Ek y Mauricio López, respectivamente. Finalmente, el cartel y la imagen se debe al trabajo de Valentina Avilés, Alejandro Marrufo y Mina Bárcenas. La obra, como ya dijimos, ofrece con acierto a nuestros oidos el romance, el octosílabo, tan musical y tan próximo a nuestros gustos. Originalmente fue escrita en dos actos; sin embargo, la mano directora de Nelson Cepeda los concentrará esta noche en uno solo. Por cierto que Nelson, experimentado ya en esto del “ser teatrero” ha comentado que es la primera vez que dirige obra en verso. Tendremos pues ahora la oportunidad de apreciar una opera prima en el trabajo de este artista quien sin ser yucateco ya lo es por adopción (...de todos nosotros). Escuchemos pues, el rugido del jaguar, escuchemos al bacab que nos cuenta la historia, oigamos la voz convocadora y profética de la nana Serafina, la convicción señera de Ek Balam, la renovada dignidad de Mukuy y la mordaz violencia del amo. Luis, te reitero mi felicitación sincera. Es tiempo de teatro: hoy ha muerto el sol y el rugido del jaguar inunda el aire sabio y antiguo, y hace tremolar la atmósfera ya lista para el encuentro del público con lo representado. Y esta noche de teatro estamos bajo la protección de Hunab Ku y de Zamná. Muchas gracias

La Noche del Jaguar

Por Carlos Peniche Ponce ... Sale uno del teatro y todavía resuena en el oído la eufonía del romance, el sonoro ritmo acompasado, en cuartetas de rima asonante o consonante según conviene a la cadencia métrica y conforme se lo dicta la intuición auditiva a su autor, el poeta dramático Luis Pérez Sabido. Sale uno del teatro y se lleva aún en el pecho toda la emoción de las admonitorias palabras consagradas a los dioses mayas, en voz de los bakabes o en labios de la nana Serafina; la máxima ternura del murmullo de amor, terso y erótico a un tiempo, entre los valerosos Mukuy y Ek Balam; la indignación estremecida ante el desplante soberbio y la opresión inicua, impecablemente representada en la figura odiosa del amo don Rodrigo. Sale uno del teatro y no se puede olvidar el magnífico ámbito nocturno en el boscaje peninsular, atravesado del presagio –humano y divino- del amenazante jaguar, y todo el drama en tensión continua, sostenida por un fondo tenue de guitarra y subrayada con ímpetu por el cardíaco reloj del imparable tambor... Rara avis en nuestra dramaturgia contemporánea, cumple ahora diez años –sabiamente dirigida y conducida por Nelson Cepeda Borba- La noche del jaguar, obra de trascendente contenido, enraizada en el milenario Mayab y desplegada en la estrujante anécdota de la reinvindicación social, sin asomo de ningún plañiderismo. Al contrario: con ecos sintácticos y poéticos del romance trágico La tierra de Alvargonzález de Antonio Machado, este drama en un solo e intenso acto de imperceptible duración, coloca al autor en el más alto nivel de su vasta y diversa producción literaria en verso. Los logros de esta valiosa pieza dramática han representado un hito en la versátil, y ahora cincuentenaria, trayectoria teatral del Maestro Luis Pérez Sabido. Así lo confirma hoy la aplaudida representación de la obra en el escenario del Teatro Peón Contreras y su inminente gira por diversos municipios yucatecos y algunas ciudades de la Península. Felicidades, Luis.

Mujeres de arena.Ariadna,Elena,Alejandra,Xail,Mariana,Egle y María San Felipe

2008-11-23T18:51:00.000-06:00

Los disfraces.

2008-11-23T18:27:00.000-06:00

Los disfraces, de Ricardo Prieto. Nada es lo que parece. No crea usted lo que está a punto de presenciar. Déjese llevar por lo que atrapen sus sentidos. La vida, como el teatro, es un espectáculo de simulaciones. Esto es lo que el dramaturgo uruguayo, Ricardo Pietro, ganador de innumerables premios internacionales, parece querer decirnos con Los disfraces, una deslumbrante obra en la que el rito de la seducción y la lucha por la dominación de la pareja constituyen los engranes que sustentan el argumento. Dueño de un humor maldito, profundo conocedor de la naturaleza humana, Prieto nos obliga, desde un principio, a sumergirnos, junto con los actores, en la vorágine de este juego perverso, ritual de circo, espectáculo doble moralista en el que al caer el telón, ninguna de las partes saldrá bien librada. Como en sus trabajos anteriores, Prieto nos acerca, una vez más, a la psique de personajes obsesionados por la soledad, la culpa y el pecado. ¿Qué tienen en común los disímiles protagonistas de Los disfraces, aparte del vínculo laboral, por ser Alicia la hija del dueño de la casa y Juan el sirviente? Esto es lo que Prieto pone de relieve en este drama: el mundo carente de identidad que es nuestro siglo. Un vínculo de unión entre dos seres pertenecientes a estratos sociales distintos pero que comparten un mismo empeño: atrincherarse detrás de máscaras que les permitan encubrir sus instintos. Carlos Martín Briceño.

Deasayuno durante la noche 2004...¿Los recuerdas?

2008-11-23T17:36:00.000-06:00

El desayuno durante la noche

Amargo desayuno en familia Concluye temporada teatral en el espacio del centro “Tío Vivo”Alrededor de la mesa una familia se envenena “El desayuno durante la noche”, obra del uruguayo Ricardo Prieto, dirigida por su coterráneo Nelson Cepeda Borba que anteanoche cerró temporada en el teatro del centro cultural Tío Vivo, al norte de la ciudad.Al igual que en su obra anterior, “Los disfraces” —que se presentó con éxito en el Centro Cultural Olimpo y en el teatro Felipe Carrillo Puerto—, Prieto se centra de nuevo en las relaciones amor-odio, en el sarcasmo y en el juego de las apariencias; en una sociedad plagada de reprimidos, dominantes y dominados, de disfraces que tratan sin éxito de disimular lo evidente: personajes llenos de secretos, dolor y desviaciones.La amargura, los reproches y las indirectas son los elementos que tensan la obra, tanto como un hilo capaz de cercenarle el cuello a un recién nacido: toda ternura parece haberse borrado de esta familia.Sólo hay un instante de piedad en “Beatriz” (Ariadna Medina), la hija solterona y reprimida enamorada de su propia madre y a la que sin embargo tortura cada vez que puede. Elena Larrea interpreta magistralmente a la matriarca alcohólica de esa casa donde nadie se mueve, donde todos son prisioneros de sus frustraciones. Sola, sin un hombre que la apoye, se interesa por un “Profesor” (Francisco Sobero “Tanicho”) más atraído por los prospectos varones —en este caso por el nieto, “Leonardo”—, que por el sexo femenino: éste sólo lo remite a su madre. Leonardo (Diego Suárez), a su vez, es un joven sin oficio ni beneficio lleno de tribulaciones, incapaz de escapar de la seguridad de su propia prisión y a la felicidad que le brinda “Martha” (Abril Góngora), la única mujer que parece comprender las necesidades de afecto de la familia. Nelson Cepeda Borba, al dirigir antes “Los disfraces” y ahora “El desayuno durante la noche” parece seguir una línea en la dramaturgia y también entre sus colaboradores (Ariadna Medina ofreció una excelente intepretación de “Alicia”, el personaje de “Los disfraces”). La escenografía, de nuevo de “El mosco”, envolvió en la pesadez del mobiliario y en la tenue iluminación el encierro existencial de esta familia. El espacio de Tío Vivo, que dirige el actor Juan de la Rosa, también fue ideal para una representación que el público atestiguó en una disposición no convencional de butacas, cerrando un círculo dramático del que si acaso podrían escapar un par de gatos no invitados al banquete.— Patricia Garma Montes de Oca Profesor ( Pedro Juan de la Portilla): "Uso estas corbatas negras porque estoy de luto. Como decía ese personaje de Chéjov: por mí mismo " Leopoldo (Miguel Flota): "No soporto los jefes, ni los horarios rígidos, y para finalizar, soy inconstante" Martha ( Mónica Cataño): "No tengo llaves de mi casa, porque en realidad nunca viví en ella" Beatriz (Ariadna Medina): "Recuerdo que mi padre me decía: la gente es estúpida y mediocre La abuela (Elena Larrea): "Ya sabemos que todo el mundo es imbécil, menos yo: el arte de vivir consiste en embellecer la estupidez" Iván Rubio

Un instante en el tiempo.Escena 40° y Amor de ópera.

2008-11-23T17:11:00.000-06:00

Sobre el teatro habla un Uruguayo.

2008-11-12T13:21:00.001-06:00

Dramaturg, o la eminencia gris*Carlos Rehermann(dramaturgo uruguayo)

En los últimos años, la tradición alemana del Dramaturg o asesor literario de una compañía teatral se ha difundido en todo el mundo. Para algunos, el rol de esta nueva figura es imprescindible; para otros, simplemente hace el trabajo que antes hacían directores, actores o escritores. Los más pesimistas creen que el surgimiento del Dramaturg puede tener como consecuencia la desaparición de la figura artística del Director. Lo inefable Entre 1767 y 1769, el alemán Gotthold Ephraim Lessing redactó sus reflexiones sobre teoría dramática, que se conocen como Dramaturgia de Hamburgo (Hamburgische Dramaturgie). Inició así la prehistoria de una profesión que en nuestro tiempo se ha convertido en el must de toda institución teatral que se precie de seria. ¿Qué es un Dramaturg? ¿Por qué no llamarlo "dramaturgo"? La primera pregunta es tan difícil de contestar que, hasta hoy, ningún Dramaturg ha sido capaz de dar una respuesta. John Lutterbie, Catedrático del Departamento de Arte Teatral de la Universidad de Nueva York en Stony Brook, cuenta que la primera vez que se enfrentó con la definición de Dramaturg fue cuando lo contrataron como docente de Dramaturgia en esa Universidad. Sin saber nada del asunto, se le ocurrió ir a la Conferencia Anual de los Literary Managers and Dramaturgs of the Americas (LMDA). Allí se enteró que el tema de la conferencia era: "¿Cómo hacemos para comunicar lo que hace un Dramaturg? La Dramaturg Lenora Inez Brown dice "no se puede describir a un Dramaturg por su título". En un artículo aparecido en 1960 enWorld Theatre, Günter Skopnik escurre el bulto a la definición citando una anécdota: "Cuando el Príncipe Schwarzenberg le preguntó a Heinrich Laube, el gran director del Burgtheatre de Viena qué era realmente un Dramaturg, éste sólo pudo contestar con un encogimiento de hombros: Su Alteza, es imposible que alguien le conteste eso con pocas palabras". Cuarenta universidades estadounidenses ofrecen hoy títulos de Dramaturg, aunque, según Brown "no es necesario tener un título de Dramaturg para actuar como tal; basta un título de crítico teatral o de escritor de teatro". En 1996, la LMDA publicó un libro de 500 páginas llamado Dramaturgy in American Theatre: A source Book. Se trata de un compendio de anécdotas y definiciones del trabajo de los Dramaturgen recopiladas con el fin de presentar en sociedad una profesión que tiene tres décadas o poco más de existencia en Estados Unidos, algo así como 50 en Inglaterra y Alemania, y está implantándose rápidamente en todo el mundo. Al parecer, se trata de la profesión que más palabras necesita para ser definida, aunque un Dramaturg la sintetizó así, hace unos veinte años: "El Dramaturg es la conciencia crítica y artística del teatro". La palabra dramaturgia se origina en las palabras drama (hacer) y ergon (obra). En español, dramaturgo significa lo mismo que en original griego: autor (hacedor) de obras (de teatro). En inglés, la palabra utilizada es playwright, que tiene la misma composición semántica. En alemán, la palabra para el escritor de obras de teatro es dramatiker; al menos desde Lessing, dramaturg, otra palabra alemana, se emplea con el sentido de director artístico, acepción que comenzó a utilizarse cuando la profesión de director aún no estaba plenamente establecida (hecho que ocurrió hacia fines del siglo XIX). Es en el sentido alemán de Dramaturg que el oficio de "conciencia crítica y artística del teatro" se ha difundido en el último medio siglo. En español se ha inventado la palabra dramaturgista, que tiene cierta plausibilidad: si el Dramaturg se encarga de la dramaturgia, entonces podría llamársele dramaturgista. En este artículo se emplea la voz alemana, con mayúscula inicial, para mantener plena conciencia de su origen cultural. Lo que hace el Dramaturg Según Lutterbie, los Dramaturgen son "facilitadores": "facilitan" sencillamente el éxito de la puesta en escena o de la escritura de una obra nueva. El Dramaturg Mark Bly cuenta una anécdota que considera explicativa: fue contratado como Dramaturg para una puesta en escena de una obra de John Osborne. Cuando se presentó al Director, éste le dijo que sus servicios no serían necesarios. Tozudo, o tal vez iluminado, Bly no se amedrentó. Hizo investigaciones "sobre puestas anteriores y comentarios, y descubrió que había varios serios problemas con la obra" [sic]. Le envió sus observaciones al Director, que le agradeció calurosamente su aporte; comenzó entonces una fructífera labor en conjunto y es casi seguro que comieron perdices. Bly, como la mayoría de los Dramaturgen puestos a describir su oficio, parece haber trabajado con numerosos directores subnormales, que no logran darse cuenta de los problemas que enfrentan cuando deciden dirigir una obra; por suerte, dice Lutterbie, el Dramaturg está allí, para salvarlos del abismo. Según el semiólogo francés Patrice Pavis, autor de un influyente Diccionario del Teatro: "[Dramaturg] designa al consejero literario y teatral de una compañía, a un director de escena o responsable de la preparación del espectáculo [...] Lessing [...] funda la tradición alemana de la actividad teórica y práctica que precede y determina el sentido de la puesta en escena de una obra." Es interesante recorrer algunas referencias de los propios Dramaturgen a su trabajo: " La función más valiosa del Dramaturg es ayudar a crear nuevo material en colaboración con otros (escritores, directores, actores y diseñadores)". "La palabra Dramaturg es como la palabra fuck: la gente se va a acostumbrar a usarla". "El principal trabajo del Dramaturg es preguntar por qué. ¿Por qué estamos haciendo esta obra? ¿Por qué en esta temporada? ¿Por qué existe nuestro teatro? ¿Por qué existimos?". "Usamos muchas ayudas que otra gente de teatro no considera necesarias, como lecturas, estudios literarios, trabajos científicos, análisis políticos, películas, pinturas, etc.; en realidad, cosas bastante comunes, pero la diferencia es que nosotros hacemos una investigación relativamente extensa y rigurosa". Los expertos distinguen dos clases de Dramaturgen. El Dramaturg de producción es responsable de la preparación del texto para la puesta en escena. Esto puede suponer la realización de una adaptación de un texto que originalmente no fue escrito para la escena, o de un clásico, del que deberá seleccionar o realizar una versión o una traducción. Está dentro de sus roles el asistir al escritor a quien ha sido encomendado un trabajo. También realiza investigaciones históricas sobre el momento de escritura de la obra o sobre el tiempo en que se desarrolla la ficción, e investigaciones filológicas. Es el intérprete de la obra, capaz de responder preguntas de sentido del director o los actores, y asesora acerca de la realización de las carteleras, los programas y los comunicados de prensa. En los ensayos, observa que el trabajo no se desvíe del objetivo propuesto, y puede servir de intermediario entre el equipo de producción y el escritor, para producir cambios en el texto que sirvan a los objetivos originales. Por otro lado, existen los Dramaturgen institucionales, usualmente asalariados de un teatro, que seleccionan textos dramáticos, orientan en temas de programación, y realizan tareas docentes y de extensión, un trabajo similar al del consejero literario de una editorial. Ambos tipos de Dramaturgen pueden actuar como animadores en discusiones con el público. Como puede verse, ninguno de estos trabajos del Dramaturg es nuevo. El análisis dramatúrgico siempre estuvo inmerso en el trabajo del equipo creativo. Sólo que Esquilo, por poner un caso, cuando decidió escribir Prometeo, realizó él mismo la investigación necesaria del mito que utilizó como base para la creación.